Yves Saint Laurent

Le 14 juillet Yves Saint Laurent ouvrait le bal des nominations aux différents rangs honorifiques de la Légion d’honneur. Il recevait le grade de grand officier de la Légion d’honneur. Joli cadeau d’anniversaire pour celui qui fêtera ses 71 ans le 1er août et qui jusqu’en 2002 fut à la tête d’une des maisons les plus prestigieuses de Haute Couture.

S’il y existe des hommes qui forcent le destin à coup de talent et de passion, Yves Saint Laurent en fait partie. À 9 ans, le petit Yves déclarait en soufflant ses bougies que son nom serait un jour inscrit en lettre de feu sur les Champs Elysées. Adolescent il rédigeait des listes fictives de commande de vêtements pour ses sœurs…

À 18 ans il monte à Paris où il suivra durant à peine 3 mois des cours de dessin à la chambre syndicale de la couture. Trois mois, il n’aura pas fallu plus pour que Christian Dior repère le jeune homme et lui propose de travailler avec lui en tant que modéliste. Nous sommes en 1955, durant 2 ans Yves saint Laurent se perfectionne auprès de son mentor, il y apprend les secrets de la coupe et les us et coutumes du monde de la Haute Couture.

En 1957, Dior décède brutalement. À 21 ans, Yves Saint Laurent se retrouve propulsé à la direction de la maison Dior, l’histoire de la couture se trouve à un moment charnière, entre la période de l’après-guerre et le début de la production de masse… En 1961, il quitte Dior et avec l’aide de Pierre Bergé il créé la maison de couture Yves Saint Laurent, Pierre Bergé est à la gestion financière.

Entre ces deux hommes, il existe cette alchimie quasi parfaite qui soude les grands duos de l’Histoire. Yves Saint Laurent propose sa première collection le 29 janvier 1962. Les plus folles rumeurs précèdent le lancement de la collection, on entend dire que les modèles ne sont pas terminés, qu’YSL n’a pas su venir au bout de ses créations.

L’événement est extrêmement attendu, au premier rang on peut apercevoir la baronne de Rothschild, Françoise Sagan, la comtesse de Paris et tout le monde influent de la mode. Yves Saint Laurent sait qu’il joue gros et que l’avenir dépend des réactions produites par sa collection « Trapèze »… C’est un succès qui ne se démentira jamais, l’assistance est subjuguée par le style unique du jeune couturier.

La silhouette trapézoïdale enchante les femmes du public, elle annonce l’ère du prêt-à-porter qui dès les années 60 va devenir la plus grande révolution dans l’univers du vêtement. Yves Saint Laurent a réussi, tout en respectant les codes de la Haute Couture, à introduire dans ses créations une certaine abstraction. Il parvint également à hisser le sportswear au sein de la couture.

Dès lors, il devient le maître incontesté de la Haute Couture française. La postérité nous fera dire que la mode doit beaucoup si ce n’est tout à la vision ultra moderne qu'Yves Saint Laurent su lui imposer à un moment où le monde changeait. Cuissardes en croco, tuniques transparentes, associations de couleurs osées… Yves Saint Laurent fut un incroyable visionnaire, car toutes ses innovations sont désormais devenues des basics.

En 1966, il dessine son premier smoking pour femmes, il deviendra la marque de fabrique de la maison, et chaque année apportera sa nouvelle version du dit smoking. 1966 est aussi l’année où le duo Bergé/Yves Saint Laurent lance Yves Saint Laurent Rive Gauche… Les modèles sont toujours dessinés par le créateur, mais ils seront produits à la chaîne par un industriel extérieur.

Yves Saint Laurent est un homme qui puise sans cesse son inspiration dans le monde qui l’entoure. En 68 la révolte gronde, le couturier est en osmose avec la rue et conçoit un nouveau look où le pantalon jusqu’alors considéré comme inconvenable pour les femmes, a la vedette. Il détourne le costume de chasse et en fait un classique urbain : saharienne et lacets ont gagné leur droit de séjour sur le pavé parisien.

La mannequin Versuhka illustre à merveille cette nouvelle image de la femme : insoumise et conquérante. Les modèles ont beaucoup d’importance pour le couturier : en 1963 en raison d’une collection qui reçu un accueil mitigé, il mettra en cause ses mannequins et déclarera qu’il n’avait pas de « bonnes mannequins ».

En effet dans le processus de création de Yves Saint Laurent, les femmes sont essentielles, une fois le croquis effectué, le styliste a besoin de modeler ses vêtements sur les mannequins et selon ce qu’il ressent il fait évoluer les coupes et les détails. C’est pourquoi personne ne s’étonne lorsqu’en 1972, la muse de Yves Saint Laurent, Loulou de la falaise, intègre le studio de création.

Yves Saint Laurent a besoin d’elle au quotidien, elle l’inspire et lui fait entrevoir ce que veulent les femmes. YSL est précurseur en tout : il avait amorcé le prêt-à-porter en 60, en 1967 il dépasse le style minimaliste et urbain qui sévit sur la scène mode et s’échappe vers une tendance retour à la nature qui sera l’un des grands musts des années 70…

Des collections pour hommes, le lancement en grande pompe à l’Opéra comique du parfum masculin Kouros, collection en hommage à Matisse, soirée en compagnie de Paloma Picasso, Yves Saint Laurent est partout et tous l’adule. En 1982, on fête les 20 ans de la maison Yves Saint Laurent, on lui décerne le « International Fashion Award of the council fashion designers of America », le couturier est au sommet de sa gloire…

En 1985, il reçoit l’Oscar du plus grand Couturier. En 1988, le défilé Haute Couture est une ode à l’esthétique VanGoghienne, qui se décline sur des vestes brodées dont certaines ont demandé plus de 600 heures de travail. En 1989 le groupe Yves Saint Laurent entre en bourse.

En 1990, Yves Saint Laurent imagine une collection « Hommages » à tous les artistes qui l’ont inspiré au cours de sa carrière, allant de Bernard Buffet en passant par Marcel Proust et Catherine Deneuve. Le show est applaudi pendant plus d’une dizaine de minutes, la salle est débout, les critiques jugent que c’est la collection la plus forte du créateur, à la fois « pure dans sa conception et fantasque et lyrique dans ses couleurs »…

Mais le monde de la couture est de plus en plus brigué par les grands groupes : en 1998, la maison de couture YSL est acquise par François Pinault. S’en suivent de nouvelles orientations marketing et financières. Tom Ford est placé à la tête de YSL Rive Gauche.

La conception de l’élégance vue par Tom Ford heurte quelque peu Yves Saint Laurent, l’époque change et le grand monsieur de la mode décide en 2002 de tirer sa révérence et de se consacrer avec Pierre Bergé à la fondation qui porte leurs noms. Mécénat et gestion du musée qui retrace son parcours font désormais parti de son quotidien.

Rendons à notre tour hommage à celui qui a eu cette bien jolie phrase : « Rien n'est plus beau qu'un corps nu. Le plus beau vêtement qui puisse habiller une femme ce sont les bras de l'homme qu'elle aime. Mais, pour celles qui n'ont pas eu la chance de trouver ce bonheur, je suis là. »

Gucci

Fondée en 1922, la maison Gucci est d’abord le fleuron de la maroquinerie italienne, avant que sa griffe ne s’appose à partir des années soixante sur une série de luxe glamour latin. Foulards, sacs bambous, mocassins à étriers dorés font un malheur dans la jet-set. Mais en 1989, la maison Gucci est en perte de vitesse. Les héritiers confient alors la marque au Group Invest Corp avec pour mission de remonter la pente…

Le renouveau de la marque dépasse toutes les espérances et fait désormais office d’exemple auprès des autres maisons de mode. Gucci ou plus exactement l’art et la manière de transformer une griffe de luxe encline à une production traditionnelle en une nouvelle griffe de mode, avec toutes les diversifications transversales que cela autorise. Gucci fut remis au goût du jour par le bureau de style dirigé par l’Américaine Dawn Mello.

C’est sur les conseils de celle-ci, en 1994, que le PDG Domenico De Sole appelle à sa direction artistique le jeune stylise Texan Tom Ford… Originaire de Santa Fé, ce jeune inconnu va déclencher un séisme... En effet, Tom Ford a redéfini le rôle du créateur de mode. Au diable le mythe de l’artiste maudit, le nouveau styliste se réconcilie avec les objectifs commerciaux des grandes marques de mode, aussi doué pour créer que pour rajeunir les griffes et définir les stratégies marketing.

Tom Ford est né en 1961 à Austin. Il passe son adolescence à Santa Fé avant de suivre des cours d’histoire de l’art à New York. À Manhattan, Ford utilise son temps libre pour tourner des spots de pub et on le retrouve régulièrement au Studio 54 et à la Factory d’Andy Warhol. Il finit par s’inscrire à la Parsons School of Design de New York, puis part étudier l’architecture à Paris. Ce n’est qu’une fois ses études terminées que Ford prend conscience de sa vocation.

En 1986, de retour à New York, il rejoint le studio de création de Cathy Hardwick, avant de partir travailler deux ans plus tard chez Perry Ellis comme directeur de création. En 1990, Ford devient styliste pour femmes chez Gucci. En 1994, il est nommé directeur de la création et présente au mois de mars une collection qui fait date : ses pantalons taille basse en velours et ses chemises en satin aux couleurs de pierres précieuses, déboutonnées jusqu’au nombril et très près du corps, font partie d’une collection séduisante et maligne au sex appeal sans complexe.

Qu’il s’agisse des campagnes publicitaires de Mario Testino, des nouvelles boutiques à l’éclairage sobre et étudié ou même des messengers bags, tout semble taillé dans la même étoffe sensuelle. Quasiment du jour au lendemain, Gucci devient une marque indispensable en proposant la mode la plus désirable et la plus hédoniste du moment… Cependant en 2004, c’est le choc, Tom Ford et le PDG Domenico De Sole décident de quitter la maison. Le sujet de discorde : l’actionnaire PPR veut plus de rentabilité et de lisibilité, tandis que le duo veut plus d’autonomie et de liberté de création.

Ce n’est pas moins de quatre stylistes qui succéderont à l’incroyable Tom Ford. Comme si le groupe Gucci voulait effacer l’image de son ancien directeur artistique devenu trop médiatique… Alessandra Facchinetti, John Ray, Frida Giannini et Stefano Pilati reprennent donc les rennes du bureau de style de YSL.

C’est de Stefano Pilati dont on parle le plus. Il débute en douceur, et restructure petit à petit l’image de la marque en y imposant son propre style. Il fait abstraction de la période « Tom Ford » pour revenir aux origines et se pose en en fils spirituel de YSL. Son premier défilé remporte un succès en demi-teinte, mais la saison suivante le verra triompher. Tous se l’arrachent et le virage opéré par la marque est réussi. On vante désormais l'élégance raffinée dont il a fait sa signature.

Pour la griffe Gucci, c’est Frida Giannini qui est actuellement à la tête de la création. Rappelons que l’ex-directrice des accessoires de la maison a succédé à Alessandra Facchinetti en mars 2005, et que cette dernière n’a pu tenir que deux saisons suite au départ de Tom Ford…

Versace

À la mort tragique de son frère Gianni, Donatella Versace hérite d’une des positions les plus enviées de l 'univers de la mode : directrice de la création de la maison Versace.

Gianni Versace, né en 1946, avait lancé sa propre griffe en 1978 après avoir travaillé pour Callaghan, Genny et Complice, développant sans relâche l’une des griffes de mode les plus importantes du XXème siècle.

Le goût de Gianni pour une mode très chère, très luxueuse et très glamour l’a imposé comme un acteur incontournable de la culture pop, tout au long des années 80, du power dressing à prix prohibitif jusqu’aux excès tendance ghetto du luxe de la fin des années 1990.

Son utilisation caractéristique des imprimés et des silhouettes de bombes sexuelles, ainsi que ses références constantes à la culture Greco Romaine de l’antiquité lui ont valu une clientèle de stars internationales et transformé ses vêtements en uniformes de la jet set.

Donatella Versace est née dans les années 1960 à Reggio Calabria, et est non seulement la sœur de Gianni mais également sa muse et son bras droit. Ils débutent leur collaboration alors qu’elle est encore étudiante en langues à l’Université de Florence. Une fois diplômée, Donatella commence à s’impliquer dans les campagnes publicitaires de la marque avant de dessiner pour les collections d’accessoires et les licences, notamment Young.

Dès 1993, Donatella dessine pour la ligne Versus. Depuis sa nomination au poste de directrice de la création, elle a réussi à faire entrer Versace dans le XXIème siècle, fusionnant sa propre sensualité aux excès baroques et explosifs si typiques de son frère.

L’empire Versace comprend des collections pour femme, des collections pour homme, du sportswear, des sous-vêtements, des lunettes, des collections de jeans, des parfums et une ligne homewear sans parler de la ligne de maquillage et du Palazzo Hotel Versace, premier Hôtel Versace 6 étoiles ouvert dans le Gold Coast australien en l’an 2000 qui draine toute la jet set mondiale !

Un nouveau resort de 215 suites et 204 villas de luxe ouvrira bientôt à Dubaï. Elle se lance même dans le design.

La succession de la maison devait être assurée par la fille de Donatella Allegra Versace qui a fêté sa majorité en juin 2004 : elle était alors devenue l’héritière de la maison de couture. Mais certains problèmes étant survenus, Donatella et son deuxième frère ont décidé de confier le contrôle du management à Giancarlo Di Risio.

Cet homme plutôt discret décide de remanier la structure de la société qui commençait à prendre l’eau et supprime des lignes inutiles, véritables gouffres financiers, telle que la ligne de lingerie et la ligne de parfum et les remplacera par la création de chaussures, de sacs et de bijoux. Et ça marche : les ventes reprennent et Donatella apparaît sereine à la fin des défilées 2007.

Et elle se prend même à se rêver personal stylist de la candidate à l’investiture américaine Hillary Clinton et lui conseille de ne plus porter de pantalon et de favoriser la couleur noire au détriment du bleu…

La nouvelle vision de Donatella pour Versace ?

« Le goût Versace : Il a longtemps été défini comme glamour et sexy. Mais aujourd'hui, le sens du glamour a changé, il est devenu plus sophistiqué. La femme Versace n'a plus besoin de hurler pour être regardée. De hurler à travers un vêtement super-déshabillé, super-transparent ou super-coloré. La sensualité est davantage liée à la coupe du vêtement, au brillant du tissu ou à sa qualité. »

Elle a tout bon et les derniers défilés le confirment !

 

Giorgio Armani

« Je n’aime pas cette mentalité de fashion victimes, ces gens qui changent de style sans cesse parce qu’on leur dit que ce qu’ils portent est déjà périmé. Il faut savoir refuser la mode si elle trahit ce qu’on est. »

Giorgio Armani est sans conteste l’un des stylistes les plus influents et les plus importants du XXème siècle. Pourtant il a bien failli ne jamais travailler dans la mode. Né en 1934 à Piacenza, Armani étudie la médecine pendant deux ans. En 1957, à son retour du service militaire, il travaille comme étalagiste au grand magasin milanais : La Rinascente.

En 1961, il fait ses premiers pas dans la mode en devenant styliste pour Nino Cerruti. Pendant neuf ans il s’y forme à l’art de la coupe et aux tissus de la mode pour homme. En 1970, Giorgio Armani se lance en indépendant, épaulé par son partenaire en affaires Sergio Galeotti. Cinq ans plus tard, il crée sa propre griffe pour homme.

Mais ce n’est que l’année suivante, lorsque Giorgio Armani lance sa première collection pour femme, que ses talents se réalisent pleinement. Pour ses défilés, il choisit des mannequins imparfaits, avouant préférer les femmes de la rue à des top models payés des fortunes pour des défilés de 30 minutes.

Création emblématique d’Armani, la veste, avec une coupe masculine et des matières féminines : adaptant la mode masculine pour les femmes, son style déstructuré mais classique, décontracté jouant sur les proportions et toujours sur la fluidité des tissus, est acclamé comme le look féminin le plus important après le New look révolutionnaire de Dior en 1947, ce qui lui vaut un nombre incalculables de récompenses de la part du CFDA.

Mais le créateur de Milan est bien plus que « le power dressing » des années 1980 que son style a fini par incarner.

Giorgio Armani est le premier à comprendre le potentiel marketing d'Hollywood. Il a notamment crée les costumes de Richard Gere pour « American Gigolo », de Diane Keaton dans « Annie Hall », habillé tous les acteurs du film « les Incorruptibles » et ceux de « Shaft ».

Par ailleurs, Giorgio Armani a inventé l’approche actuellement utilisée par toutes les marques de mode mondiales : le Lifestyle. Articles pour la maison, maquillage et parfums à succès (qui font de lui sûrement le couturier le plus riche du monde et l’indépendant le plus puissant), le nom même de Armani est devenu synonyme de l’absolu recherché par tout créateur de mode.

En 2001, il a collaboré avec l’architecte japonais Tadao Ando sur le nouveau siège milanais de l’entreprise, qui inclut une galerie d’art et un théâtre dans lequel Giorgio Armani présente désormais toutes ses collections.

Président directeur général du groupe Armani ainsi que son unique actionnaire, il s'associe en 2006, avec une société immobilière de Dubaï pour lancer la chaîne Armani Hotels. Homme d'affaires accompli, Giorgio Armani est ambassadeur itinérant pour le Haut Commissariat des Nations Unies pour les réfugiés. « Je suis le premier employé de ma maison », répète à qui veut l'entendre Giorgio Armani.

Et c'est vrai que le couturier musclé garde ses yeux bleu glacier rivés sur treize usines, huit lignes de vêtements, des parfums, des cosmétiques, du mobilier, des restaurants et même des confiseries... En attendant une rétrospective à Milan en février, sa gamme de produits de soins en septembre et des hôtels, dont les premiers ouvriront à Milan et à Dubaï en 2008.

Le créateur italien Giorgio Armani a présenté, mercredi soir 24 janvier, à Paris sa collection haute couture pour l'été prochain au cours d'un défilé privé. L'actrice Cate Blanchett, fraîchement nominée pour les Oscars, Katie Holmes, la femme de Tom Cruise, et Victoria Beckham ont particulièrement retenu l'attention des médias.

 

 

 

 

 

 

Donna Karan

« Jamais lorsque je dessine je ne vois une femme en particulier, c’est l’ensemble des femmes que j’imagine. »

Entre une mère mannequin cabine, un père tailleur et un beau père travaillant dans le milieu de la mode, il n’est pas surprenant que Donna Karan décide d’étudier la mode à la Parsons school of Design de New york. Elle ne terminera pas son cursus : alors qu'elle est en stage chez Anne Klein, l’entreprise lui propose un poste qui lui permet d’entamer très sérieusement sa carrière de styliste et de femme d’affaires. En 1969, Donna Karan est nommée à la succession de Anne Klein, à la mort de cette dernière en 1974, elle reprend la direction de l'entreprise.

C’est au cours de son expérience chez Anne Klein qu'elle a développé son sens pratique si caractéristique de son travail : séparer sportwear luxueux et facile a porter, généralement taillé dans des tissus drapés ou stretch aux nuances bleu marine et noires.

Donna Karan quitte l’entreprise en 1984 pour lancer sa propre griffe avec Stephan Weiss, son mari aujourd’hui décédé. Bien qu’elle soit capable d’agrémenter sa collection de pièces très complexes, l’aspect utilitaire de ses créations transparaît de façon évidente dès son premier défilé en 1985, « New York » qui présente son concept des « seven easy pieces », avec la jupe portefeuille et modèle Karan par excellence le bodysuit noir.

Elle a déjà remporté les plus haute distinctions de l’industrie de la mode (elle a été consacré quatre fois Best Womenwear Designer par la CFDA), bien qu’elle ait rarement flirté avec le radical.

Pourtant Donna Karan a proposé une nouvelle approche de l’habillement. Le look Karan est devenu le Look New-yorkais que soutiennent les stars (comme c’est le cas actuellement avec Mickael Kors ou Marc Jacobs). D’ailleurs le mot New York apparaît sur toutes ses étiquettes.

L’activité regroupe actuellement une ligne pour homme, une ligne pour enfant et un parfum et une ligne de grande consommation DKNY et tous les autres départements digne d’une vrai marque mondiale de lifestyle.

L’entreprise Donna Karan a été introduite en bourse en 1996 et vendue pour 643 millions de dollars de dollars à LVMH en 2001. C’est tout un style de vie qu’elle continue d’inventer chaque saison. Et cet été, Donna Karan a intitulé sa collection « Diversité urbaine »

Elle épice sa collection (inspirée de ses voyages en Inde) de jodhpurs stretchs, de kaftans ultra légers en Georgette de soie, de robes floues au tombé XXL. Et réinvente ses pièces fétiches comme les robes écharpe, portefeuilles ou drapées, souvent en jersey (une de ses matières de prédilection).

 

Miuccia Prada

« Je ne comprends pas les gens qui pensent que les vêtements ne sont pas importants… »

Miuccia Prada rejoint l’entreprise familiale en 1971. Vingt ans plus tard ce maroquinier ultra-classique a subi une transformation si radicale qu’il en est devenu méconnaissable.

Une innovation telle que le sac en nylon prouvait bien que la maison ne regardait plus en arrière : Prada était sur le point de redéfinir le luxe et les avantages de la mode.

Patrizio Bertelli, mari de Miuccia mais également directeur de l’entreprise, designer et actuel PDG du groupe Prada, avait commencé à travailler pour l’entreprise en 1977.

La société semble jouir d’une étrange facilité à capter le climat culturel de la mode. Cette intuition se mêle sans complexes a un esprit de conquête commerciale qui n’a fait qu’augmenter l’influence de la marque ces dix dernières années et lui a permis de connaître une croissance vertigineuse.

Des chaussures aux sacs en passant par la première collection de vêtements pour femme en 1988, la ligne Miu Miu pour les jeunes en 1993, la mode masculine en 1994, Prada sport en 1997 et Prada Beauty en 2000, tout est directement supervisé par Miuccia Prada en personne.

Contrairement a toutes les grandes marques, l’esthétique de Miuccia Prada se distingue par on non conformisme très caractéristique. Cette ambivalence repose essentiellement sur l’esprit de contradiction de la styliste.

Née en 1950 a Milan, elle étudie les sciences politiques à l’université de la ville et s’inscrit au parti communiste Italien, n’hésitant pas à monter sur les barricades habillée de Yves St Laurent.

La créatrice incluse dans « les 30 femmes les plus puissantes d’Europe »du Wall Street Journal, a également suivi une formation pour devenir comédienne.

Ces dualités lui ont permis de réconcilier les forces contradictoires de l’art et du commerce au sein de la « super marque », parfois même au pied de la lettre : Prada possède sa propre fondation artistique et pour son grand projet le plus récent l’entreprise a collaborer avec l’architecte Rem Koolhaas, qui a conçu la boutique de New York en 2001.

Dès la fin de années 90 la marque a adopté une politique d’expansion rapide, confirmant sa place de leader sur le marché mondial du luxe. Pour l’année 2006 la créatrice de mode Miuccia Prada avait choisi de casser l'image "girly" de Miu Miu (dont les égéries ont été Ludivine Sagnier et Lou Doillon) avec une actrice pleine de grâce et de charme discret.

Kim Basinger incarne une beauté classique avec une forte personnalité. Son interprétation de mère d'Eminem dans 8 miles avait permis à la star oscarisée (L.A. Confidential en femme fatale, sosie de Veronica Lake) de montrer un nouveau visage et l'étendue de son talent.

Plus qu'une plastique, Kim Basinger est l'une des rares actrices avec une réelle grâce. La Campagne de publicité fût un véritable succés. L’entreprise possède en totalité ou en majorité, les griffes Helmut Lang, Jil Sander, Church&Co, Azzedine Alaïa et Genny.

Elle dispose également d’un très grand yacht qui participe à diverses courses en mer. En 2006, son chiffre d’affaires affichait 2,5 milliards d’euros.

 

 

 

 

Ralph Lauren

« Je n’ai jamais été au fait de la mode et de ses tendances. Je ne crois qu’au « style » qui a toujours le dernier mot. »

Ralph Lauren compte parmi les plus importantes marque de « lifestyle » de la fin du XXe siècle et le petit poney de ses polos est aujourd’hui le logo le plus connu au monde. Le secret de Ralph Lauren ?

Une approche élitiste de la création qui vise à capter le style Ivy League aristocrate en revisitant l’héritage BCBG et le mode de vie plein d’ambition des universités de la côte Est : chemises à cols boutonnés et twin-sets, blazers et bermudas, chemises à volants et jupes amples.

La jeunesse black urbaine s’approprie et revisite le style Ralph Lauren, qui depuis s’est imposé comme l’uniforme américain de Wall Street à Halerm. Né en 1939 à New York, il travaille sans relâche pendant trente cinq ans pour construire son empire. Adolescent, il dépense l’argent qu’il gagne pour s’acheter des costumes hors de prix.

Apres deux ans passé à l’armée, il vend des gants chez Brooks Brothers tandis que, fait révélateur s’il en est, il étudie la gestion d’entreprise au cours du soir du City College de Manhattan. En 1967 il rejoint A Rivetz & Neckwear où, à contre courant des tendances, il dessine des cravates plus larges et crée la marque Polo.

En 1968, un prêt de 50 000 dollars lui permet de créer sa propre société, Polo Designs, qui lance des lignes pour hommes et pour femmes en 1971 ainsi qu’une ligne éponyme de classiques remis au goût du jour en 1972.

Mais la mode n’est qu’un élément de ce groupe qui pèse actuellement 900 millions de dollars. Lauren ne vend pas que des vêtements, de la literie ou des parfums, il vend aussi de la classe. Et comme d’autres créateurs de sa stature, ses compétences en marketing étaient aiguisées dès le départ : il est le premier couturier a ouvrir sa propre boutique en 1971 et le premier styliste américain à ouvrir une boutique en Europe en 1981.

Le succès est foudroyant et Polo engrange plusieurs millions de dollars. Il ouvre en 1986 un immense magasin sur Madison Avenue qui s'impose comme le premier 'concept store', déclinant tout l'univers de sa marque depuis les couleurs du papier peint à la musique d'ambiance.

Sa notoriété est mondiale depuis que les personnalités du showbiz arborent ses tenues. Au milieu des années 1990, Polo Ralph Lauren entra en bourse, au New York Stock Exchange avec pour symbole RL.

Ralph Lauren est le seul créateur à avoir reçu les cinq prix du CFDA, notamment celui qui récompense les initiatives à vocation humanitaire. En 1994, il a lancé la collecte de fonds Fashion Targets Breast Cancer. En 2000 , il a ouvert le centre de traitement du cancer Ralph Lauren à Harlem.

Récemment, il a lancé Blue Label, une nouvelle collection femme qui revisite les classiques de la marque. La derniere étape franchie est décisive : il signe avec NBC et deux filiales de la chaîne, un contrat de 30 ans pour vendre son « style de vie » sur Internet, à la télévision et sur support papier. «Nous ne vendons pas que des vêtements, déclare-t-il alors. Nous vendons du rêve et une vision de l’existence.»

Ralph Lauren est aussi connu pour être un collectionneur d'automobiles. Ses voitures ont gagné de multiples fois le prestigieux "Pebble Beach Concours". Sa collection a récemment été présentée au Musée des Beaux-Arts de Boston.

 

Sonia Rykiel

« Je pense que je suis amoureuse de ce que je fait »

La couleur que vous préférez ? Le rouge comme l'ivresse, comme la folie d'un champ de coquelicots, comme la robe dégrafée, ouverte pour laisser passer la main. Sonia Rykiel est un bastion du chic français.

Célèbre pour ses pièces en maille et sa flamboyante chevelure rousse, elle incarne aujourd’hui l’élégance et la sophistication de la mode parisienne. Enceinte, elle crée ses premiers vêtements en 1962 en confectionnant ses propres pulls et robes de futurs mamans pour la boutique Laura. Quatre ans plus tard, elle fonde la société Sonia Rykiel et ouvre sa première boutique Rive Gauche à Paris.

Défendant l’esthétique du démodé, avec des coutures apparentes et l’élimination des ourlets et des doublures, elle définit un look inimitable, caractérisé par des rayures, des strass et des inscriptions à travers des pulls.

Depuis, la marque Sonia Rykiel a sorti une ligne pour enfants dessinée par la fille de Sonia, Nathalie Rykiel. En octobre 2002, cette dernière a lancé le concept RYKIEL WOMAN. Un choix pointu de basiques intemporels, les "Indispensables" d'une garde-robe mais aussi un nouvel univers d'objets, d'accessoires et de cadeaux dédié à la femme et au plaisir. Une mise en scène glamour de tous les aspects de la sensualité dans une ambiance boudoir contemporain.

Pionnière avec ce concept, Nathalie Rykiel est aussi à l'origine de l'appellation française "Sex Toys". Ces objets de plaisir lancés il y a trois ans sont alors plus joliment nommés... La marque compte aussi une collection pour hommes, des parfums, une ligne de cosmétiques et des accessoires. En 2001, Sonia Rykiel lance Modern/Vintage Sonia Rykiel, une ligne de best of.

Mais Sonia a d’autres cordes a son arc. Elle a remporté un succès considérable en tant qu’écrivain pour ses livres sur la mode, ses contes de fée pour enfants et son roman « les levres rouges », sans parler des innombrables ouvrages qui lui ont été consacrés. Membre des clubs des Croqueurs de chocolat et des Amateurs de cigares de Havane, ambassadrice du vin de Bordeaux, Sonia Rykiel excelle dans l'art de vivre !

D’autres hommages lui ont été rendus dans le monde entier à l’occasion d’expositions et de défilés anniversaire, notamment pour son implication dans la redécoration de certains des plus beau hôtels parisiens et pour la création de la rose Sonia Rykiel, avec l’aide de roseraies Jean-Pierre Guillot.

En 1994, elle a fait une apparition dans le film « prêt à porter » de Altman et chanté en duo avec Malcom McLaren sur son album « Paris ». Après avoir reçu trois décorations nationales, Sonia Rykiel n’a pourtant pas fini de secouer le monde de la mode...

 

Jean Paul Gaultier

« Je ne voulais pas être célèbre »

Le travail de Jean Paul Gaultier semble toujours empreint d’une certaine schizophrénie. Surnommé « l’enfant terrible » de la mode française, bien qu’il soit né en 1952, Jean Paul Gaultier cherche à trouver un équilibre entre mode radicale et traditionnelle, par exemple avec son célèbre corset, le plus classique des sous-vêtements, qu’il a transformé en vêtement de dessus.

Malgré une formation en haute-couture chez Pierre Cardin et Jean Patou au début des années 70, Gaultier le punk prouve dès sa première collection de prêt à porter en 1976 qu’il ne peut se plier aux contraintes de la mode de luxe.

Mais cette schizophrénie concerne avant tout la distinction évidente qui existe entre « Mr Gaultier » le couturier et « Jean Paul » le chouchou des médias. En fait, ce sont ces ambivalences qui ont fait de lui l’un des créateurs les plus importants de ces 20 dernières années.

Plus tard, son image et son style sont reconnus dans le monde entier : il joue un rôle essentiel dans le succès des lignes de diffusion avec Junior Gaultier (1998), il lance des parfums (1993), crée des costumes pour le cinéma et collabore même avec Madonna (notamment pour la tournée « Blonde Ambition » de 1990). En démocratisant réellement la haute-couture, Gaultier est aujourd’hui l’un des créateur indépendant les plus appréciés.

Inversement, il fait monter la mode de la rue sur les podiums et l’associe à un élément de « choc politique », tandis qu’il estompe les frontières entre les sexes, les races, et les sexualités, un thème fil rouge dans ses collections pour femme et pour homme.

Travailleur insatiable, il explore les univers les plus éclectiques : des bijoux électroniques aux meubles mobiles, de la house music aux parfums, il écume et détourne les codes vestimentaires, bouscule la frontière du beau et du laid tout en assumant tranquillement son rôle d'agitateur permanent. Néanmoins, ce n’est qu’en 1997, lorsqu’il se lance dan l’univers ultra élitiste de la haute-couture, que Gaultier gagne vraiment la reconnaissance de ses pairs.

Cette démarche marque un retour à ses racines; en effet, c’est pour travailler dans la haute-couture qu’il a souhaité devenir créateur de mode. Cette première inspiration, associée à son goût précoce pour la notoriété, est née lorsqu'il avait sept ans, le jour où « l’enfant terrible » a dû s’expliquer pour avoir dessiné une danseuse des folies bergères pendant la classe : il aimait beaucoup les bas résille…

Son dernier défilé s’est déroulé dans le saint des saints de sa maison de couture, le sacerdoce de Jean Paul Gaultier s'est révélé en trente-six robes cultes, comme pour mieux accompagner et sublimer la femme moderne dans son chemin de croix. Puis, tout naturellement, avec cette touche d'humour qui n'appartient qu'à lui, Jean Paul Gaultier lança sous la nef « Like a virgin »…

Anticonformisme…

Viktor & Rolf

« La mode en Hollande n'existe pas. C'est peut être ce qui nous a donné notre liberté. Notre chance est de n'appartenir à personne. »

Un et un font deux, mais pour le duo hollandais, la collaboration doit reposer sur une seule vision et un même objectif. Inséparables depuis leur rencontre sur les bancs de l’académie de mode d’Arnhem, Viktor et Rolf tout deux nés en 1969, décident de travailler ensemble après l’obtention de leurs diplômes en 1992.

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Vanessa Bruno

Parce que ses robes sont irrésistibles, que ses sacs le sont aussi et qu’on a l’impression qu’elle sait exactement ce dont on a envie et qu’elle nous l’offre sans compter… on adule Vanessa Bruno. Sa griffe : c’est le charme, c’est Paris, c’est l’élégance cosy et la fraîcheur subtile, c’est tout ça et on adore !

C’est au Danemark que Mlle Bruno voit le jour. Son milieu familial la prédestinait à la mode. Sa mère est un top modèle danois, elle inspira d’ailleurs beaucoup Vanessa par son style très moderne et libéré pour l’époque (jeans larges, robes légères en voile de coton).

Sa mère aimait lui coudre des jupes et lui broder des petites robes… Vanessa Bruno prend très tôt goût à la couture. Et en même temps s’imprègne de la rigueur nécessaire pour monter une entreprise, grâce à son père qui a créé la maison Cacharel…

Elle a grandi, selon ses mots, dans « un véritable bouillon de mode ». Vers l’âge de 15 ans, elle décide de suivre les pas de sa mère et de devenir mannequin, mais elle s’en lasse vite et s’envole vers le Canada. C’est là qu’elle apprendra véritablement le métier de modéliste et les secrets de la coupe. C’est forte de son nouveau savoir que de retour à Paris, elle crée sa première collection.

Mais la jeune fille se rend bien compte qu’elle manque encore d’expérience dans le métier, c’est pourquoi elle enchaîne les stages et finit par pouvoir voler de ses propres ailes. A 24 ans, alors que certaines sont encore à se demander ce qu’elles feront de leur vie, Vanessa Bruno lance sa propre marque. Son concept ? « Elle-même » : savoir ce qu’elle a envie de porter, ce qui lui ferait plaisir…

Elle essaie toutes les pièces qu’elle dessine, et voit tout de suite si elle est à l’aise et si elles correspondent à son idée. Les débuts ne sont pas faciles, mais elle s’accroche et finis par décrocher un corner au Bon Marché.

Ses pièces sont de plus en plus appréciées, la marque commence à avoir ses fidèles, ce qui permet à Vanessa Bruno d’ouvrir sa première boutique en 1998 à Paris. Curieusement, les Japonaises ont été fans, avant les Parisiennes : l’ouverture de la boutique à Tokyo avait provoqué une véritable émeute !

Le style Bruno est prisé par les femmes actives en quête de féminité discrète. La griffe est aussi plébiscitée par de nombreuses actrices, qui sont sûrement la meilleure campagne de communication dont puisse rêver la marque.

On compte parmi elles : Charlotte Gainsbourg, Vanessa Paradis, Élodie Bouchez, Claire Danes, Charlotte Rampling… « Je suis très chanceuse d’avoir une clientèle qui porte mes vêtements et parle d’eux. »

La créatrice refuse les diktats de la mode et conçoit des tenues pour une femme en accord avec son époque, qui allie vie professionnelle et vie de privé. « C’est drôle de voir des ados et des femmes de tous les âges adapter mes vêtements à leur personnalité », jubile la styliste.

Pour le catalogue de la griffe, Vanessa Bruno ne choisit que des femmes de la « vraie vie », pas de mannequins, mais des personnes qui la touche et qui reflètent son concept. Son concept ? Dessiner des vêtements pour le quotidien, que les femmes s’approprient immédiatement.

Des modèles qui fleurent bon l’air du temps, riches de détails et aux volumes créatifs. La créatrice porte un soin tout particulier aux finitions des ses vêtements, finitions lingeries, broderies faites main...

Au-delà des ses créations pour le prêt a porter, elle fait partie des designers qui ont donné leur nom à des classiques.

Ainsi, le cabas Vanessa Bruno est connu et reconnu de toutes ! La belle Danoise a désormais acquis le statut de référence en matière de style bohème chic…

Balenciaga : Nicolas Ghesquière

"J'aime troubler les gens, les emmener hors des sentiers battus"

En 1997, le jeune Nicolas Ghesquiere de 26 ans est nommé styliste de la maison Balenciaga à Paris alors qu'il est encore relativement inconnu. Il n'a qu'un an lorsque meurt Cristobal Balenciaga en 1972, couturier décrit par Dior comme «notre maître à tous». A l'époque, tout le monde s'accorde à dire que le jeune designer doit faire la preuve de ses compétences. En cinq ans, il s'est pourtant imposé comme l'un des talents contemporains les plus appréciés.

Bien qu'il n'ait pas suivi de réelle formation, Ghesquiere s'est intéressé à la mode à un âge précoce, notamment par le biais de stages chez Agnès B. et Corinne Cobson alors qu'il était encore lycéen à Loudon, dans le centre de la France. A 19 ans, une fois ses études terminées, il devient assistant-styliste chez Jean Paul Gaultier.

Parallèlement à ses collaborations avec Mugler et Kelian et un poste de styliste chez Trussardi, Ghesquiere travaille en freelance pour les collections sous licence de Balenciaga dès 1995. C'est là que son talent est remarqué et pressenti pour la ligne principale.

Dans son travail, Nicolas Ghesquiere affectionne particulièrement le dialogue des extrêmes, combinant habilement un style cérébral et architectural, une forme d'ornementation plutôt surchargée. Néanmoins, ses collections jouent sur les contrastes qui ont forgé l'histoire de la maison Balenciaga : les différences entre passé et présent, haute couture et prêt-à-porter, austérité et excès.

Elles témoignent de son goût pour le passé, qu'il intègre sans copier et sans insister sur la nostalgie, mais également d'une certaine conscience collective. Parmi d'autres distinctions, Nicolas Ghesquiere a reçu en l'an 2000 le prix Avant Garde Designer of the Year décerné par Vogue et la chaîne VH1.

En 2001, le groupe Gucci a racheté la maison Balenciaga ; la même année, Ghesquiere a lancé des lignes de sacs et de chaussures. En 2002, il complète sa griffe d'une collection pour homme.

En 2003, il ouvre une boutique à New York, tandis que celle de l’avenue George V à Paris est entièrement repensée par l’artiste Dominique Gonzalez-Foerster. La planète mode est à l’affût de chacune de ses créations, fascinée par l'hypermodernité du style.

Suzy Menkes, de l' « International Herald Tribune », l'a cité comme étant le plus innovant des designers de sa génération. Il habille les actrices les plus compliquées et les plus exigeantes : Nicole Kidman pour son mariage, Isabelle Huppert et Charlotte Gainsbourg pour le lancement de son dernier disque… Charlotte Gainsbourg avec qui il est ami, leur simplicité et leur goût de l’ombre les a sans doute rapproché.

Le Times l’a placé dans son top 100 des personnes les plus influentes du monde… A 35 ans, le jeune homme semble avoir remporté tous les objectifs qu’il s’était fixé et a surtout réussi à hisser Balenciaga au sommet, tant au niveau de la création que sur l’aspect commercial.

Moschino : Rossella Jardini

"J'essaie de travailler avec honnêteté"

Peu de temps avant sa mort tragique à l'âge de 44 ans (en 1994), Franco Moschino discutait de l'avenir de sa griffe éponyme avec Rossella Jardini, son bras droit à la direction de l'entreprise depuis sa création en 1983. Son message était clair : Rossella devait faire vivre la maison et utiliser sa position pour continuer à collecter des fonds au profit d'actions caritatives.

Rares étaient ceux à croire qu'une griffe aussi intimement liée à l'irrévérence charismatique du personnage de Moschino pourrait prospérer sous l'impulsion d'un autre créateur, mais l'approche discrète et l'apparence plutôt austère de Rossella Jardini ont confirmé son importance cruciale dans la déconstruction Moschino très second degré du ridicule de la mode, sorte de parodie de parodie.

Née en 1952 à Bergame, Rossella ouvre une petite boutique au début des années 1970 pour vendre les pièces de couturiers avant-gardistes tels qu'Issey Miyaké, puis part travailler chez Cadette, une ligne pour femme dessinée par le jeune Moschino. Elle fausse brièvement compagnie à son nouveau meilleur ami pour créer des accessoires chez Bottega Veneta, mais revient en 1983 quand Moschino décide de lancer sa propre griffe.

Le mélange de parodie, d'effets trompe-l'œil et de coupe classique qui distingue Moschino s'avère un ticket gagnant pendant les années 1980, une décennie marquée par l'obsession de la mode. Les slogans impertinents de Moschino offrent peut-être le meilleur exemple de la façon dont il parvient à crever la bulle de cette haute couture égocentrique.

Les fashion victims saisissent la chance de l'autodérision en arborant une chemise proclamant «Cette chemise coûte très cher», tandis que l'accroche «Ready To Where?» résume bien la vacuité de l'époque. À la mort de Moschino, l'appellation de «bouffon de la mode» que partageait la griffe avec Jean Paul Gaultier commence à faire grincer des dents au milieu du sérieux conceptuel des années 1990.

C'était compter sans Rossella Jardini, qui a réussi à rétablir l'image de l'entreprise, notamment grâce au récent retour en grâce des anciennes pièces Moschino et de sa ferme détermination à ne jamais prendre la mode trop au sérieux.

La griffe ne se résume pas qu’aux vêtements, ou aux accessoires, il y a aussi les parfums. « Franco Moschino adorait l'Italie et son drapeau et en tant qu'héritiers, nous tenons à revendiquer notre côté italien" - Rossella Jardini.

Ainsi, le flacon et la publicité de cette fragrance pour homme arborent avec fierté les codes de l'Italie, le design, l'élégance et les couleurs vert, blanc et rouge de l'Italie… Sans parler de la très fameuse « Eau CheapandChic Moschino ».

Ce printemps, Rossella Jardini, réinterprète la Mademoiselle que Philippe Starck avait imaginée en 2004 pour l’éditeur de meubles, Kartell. Des cœurs entrecoupés de «Love» s'impriment en all-over sur cette chaise en Plexiglas. Cœur qu’on a retrouvé lors du dernier défilé de la griffe, en sac ludique et pointu.

Fendi

"L'ironie me permet de relativiser mon obsession créative"

Fendi est la marque des extrêmes : grosses fourrures et petits sacs à main, entreprise familiale et reconnaissance internationale, passé vraiment chic et futur plutôt cool et ironique. L'empire Fendi a été fondé en 1925 par Adèle Fendi à partir d'un petit atelier de maroquinerie de Rome où, avec son mari Eduardo, elle travaillait pour une clientèle privée.

L'entreprise familiale se développe grâce à l'ouverture d'une plus grande boutique en 1946, mais ce n'est que huit ans plus tard, à la mort d'Eduardo, que leurs cinq filles commencent à sculpter l'image moderne de Fendi, insufflant à la petite entreprise tout leur glamour et leur jeunesse.

Quand Adèle meurt en 1978, chaque sœur hérite d'un morceau de l'empire: Paola (née en 1931) s'occupe des fourrures, Anna (née en 1933) de la maroquinerie, Franca (née en 1935) des relations avec les clients, Caria (née en 1937) de la coordination et Aida (née en 1940) des ventes. A la fin des années 1980, la griffe est devenue synonyme de luxe élitiste et jet-set grâce à ses fourrures et son logo en double F.

Au sein du climat politiquement correct et anti-bourgeois des années 1990, Fendi replonge vers ses racines et ressort les sacs d'Adèle Fendi. La Baguette est ressuscitée et l'étoile de Fendi remonte au firmament, incarnant la nouvelle folie pour les excès baraques. En 1999, LVMH et Prada rachètent 51% de la griffe, mais LVMH finit par devenir l'unique partenaire en 2001.

Toutefois, Fendi reste encore une affaire très familiale : son avenir repose sur les épaules de Maria Silvia Venturini Fendi, fille d'Anna Fendi, qui a créé la ligne Fendissime en 1987 et occupe aujourd'hui le poste de directrice du département Style. Karl Lagerfeld, directeur de la création, continue à travailler pour les sœurs comme il l'a toujours fait depuis 1965.

C'est lui qui a créé le célèbre logo en double F et retravaillé la fourrure, matière Fendi s'il en est. Et la dernière collection hiver 2007-2008 a prouvé que la grande maison italienne n'a pas à défendre sa place au premier rang de la tendance. Fendi reste la référence absolue en terme de fourrures et de cuir… Luxe, opulence et démesure sont les maîtres mots de la collection de Karl Lagerfeld, où le manteau, pièce majeure, est plus opulente que jamais.

Alexandre Herchcovitch

"La beauté est quelque chose qui défie l'imagination"

D'origine roumaine et polonaise, Alexandre Herchcovitch est né en 1971 à Sâo Paulo au Brésil. A l'âge de 10 ans, alors qu'il est inscrit à l'école juive orthodoxe de son quartier, il sait déjà qu'il deviendra créateur de mode. En effet, il crée ses propres vêtements et habille souvent sa mère pour ses soirées.

Une fois diplômé du Santa Marcelina Collège for the Arts de la ville, il présente sa première collection de prêt-à-porter en 1993. Célébré pour son approche unique et originale de la mode, Herchcovitch est le designer brésilien le plus important et le plus reconnu sur la scène internationale.

Inspiré tant par la politique que l'esthétique, il considère son travail comme de «l'art à porter» et se spécialise dans la création de vêtements inhabituels et expérimentaux pour homme et pour femme. Ses formes sont directionnelles et inventives: à l'automne 1996, il invente le «Skousers», sorte de jupe en laine avec des jambes coupée sur mesure ; toutefois, ses références sont plus souvent issues de l'histoire et du folklore religieux du Brésil.

Les collections complexes d'Herchcovitch témoignent de sa prédilection pour une forme d'élégance marquée par l'art de la narration propre à son pays. Son premier défilé à l'extérieur du Brésil a lieu en février 1999 lors de la London Fashion Week; depuis, il présente également ses collections à Paris.

Herchcovitch possède deux boutiques-galeries à Sâo Paulo et, outre la vente de sa propre griffe aux boutiques du monde entier, il travaille en tant que consultant principal pour Zoomp, énorme chaîne de magasins de vêtements qui compte des centaines de points de vente à travers le Brésil.

Lors des derniers défilés new-yorkais, Alexandre Herchcovitch propose des robes de toile fleurie froissée ou des robes soyeuses portées sous petit paletot vert. Il présente des pièces toujours sophistiquées, dans une semaine new-yorkaise de tradition sportswear: manches rajoutées, superpositions ou matières comme pour ces mini-robes façon plastique noir.

Issey Miyaké

En 1973, Issey Miyaké est l'un des premiers créateurs japonais à présenter ses collections sur les podiums européens, presque dix ans avant Yohji Yamamoto et Comme des Garçons...

Né en 1938 à Hiroshima, Issey Miyaké fait des études de graphisme à la Tama Art University, puis s'installe à Paris en 1964 où il travaille pour Guy Laroche et Hubert de Givenchy. Avant de revenir à Tokyo pour créer sa propre entreprise, Miyaké Design Studio, il fait un détour par New York et travaille pour Geoffrey Beene.

Chacune de ses expériences a influencé son travail en tant que créateur de mode : Beene par ses formes subtiles, Laroche et Givenchy par leur sens typiquement parisien de la coupe et de la structure.

Pourtant, les collections de Miyaké proposent quelque chose d'entièrement nouveau. Il est le premier à marier le style japonais à celui de l'Occident : outre son intérêt pour les textures et la teinture des tissus japonais traditionnels (tels que les blouses de fermiers), il reprend également à son compte certaines notions de l'habillement japonais, notamment la taille universelle.

Ces idées cadrent bien avec son désir de créer une mode pratique et démocratique, une universalité qui s'exprimera par la suite à travers son choix de mannequins: dans un défilé de 1976, il fait uniquement appel à des filles noires, puis à des octogénaires pour une autre présentation.

Les créations d'Issey Miyaké sont immédiatement applaudies bien au-delà des cercles de la mode et, en 1986, il entame une collaboration avec le photographe Irving Penn, dont le travail impressionnant traduit parfaitement les idées de Miyaké.

Outre sa griffe éponyme (conçue par Naoki Takizawa depuis 1999), Issey Miyaké produit également une ligne de vêtements entièrement plissés, Pleats Please, ainsi qu'une collection (conçue avec son assistant Dai Fujiwara) à laquelle il consacre tout son temps, A-POC (A Pièce Of Cloth).

Dans cette nouvelle technique originale de construction des vêtements, le fil est inséré dans une machine à tricoter qui débite un tube de tissu en 3D doté de lignes de démarcation qui, une fois coupées, permettent de créer une garde-robe complète, des vêtements les plus amples aux simples paires de chaussettes.

La première présentation d'A-POC a lieu en octobre 1998 sur les podiums parisiens, qui voient défiler 23 mannequins reliés par une même pièce de tissu. Le secret de cette technique est étroitement gardé au studio de création Miyaké.

Dernièrement, Issey Miyake et son compatriote Tadao Ando, le célèbre architecte, se sont associés pour offrir à Tokyo un lieu exclusivement consacré au design qui manquait à la mégalopole du monde, berceau de toutes les excentricités stylistiques.

Roberto Cavalli

Roberto Cavalli est ce qu’on pourrait appeler un antidépresseur en or 24 carats. Grâce à une utilisation tapageuse et festive des couleurs et des peaux d’animaux, les excès sexuels et baroques de Cavalli font de sa mode la plus explosive qui soit.

Né en 1940 à Florence dans une famille de bohémiens et d’artistes (son grand-père était un célèbre peintre du mouvement toscan Macchiaioli), Cavalli suis des cours à l’Académie d’Art de Florence. Mais c'est surtout la relation entre art et mode qui l’inspire.

Ses expériences d’imprimés sur tee-shirts lui permettent de commencer à gagner sa vie et finalement, comme il a besoin de plus d’argent, il dépose le brevet d’une technique d’impression sur cuir révolutionnaire qui sera plus tard largement adoptée par l’industrie textile.

Dans les années 1970, Cavalli devient une célébrité en Italie, ouvre une boutique à St Tropez à la grande époque de Bardot et participe en tant que juge à des événements tels que le concours de Miss Univers.

En fait, il a tellement apprécié Miss Autriche, Eva Düringer, qu’elle a non seulement remporté le titre de Miss Univers, mais qu’elle est également devenue la seconde segnora Cavalli, aujourd’hui son bras droit dans l’atelier de création.

Depuis son premier défilé en 1972, Roberto Cavalli s’est imposé comme l’un des chouchous des stars du rock et du hip-hop grâce à son glamour « ghetto de luxe » et son chic de play-boy, et ce, malgré la domination du minimalisme et de l’utilitaire pendant les années 1990.

Cavalli continue à présenter ses collections pour femmes et pour hommes pendant la semaine de la mode de Milan, ainsi que sa ligne de « homewear » au salon du meuble de Milan.

Comme de nombreux autres designers talentueux, Cavalli est sa meilleure publicité : il possède l’un des plus beaux haras de chevaux de course d’Italie, pilote son propre hélicoptère et avait réussi à faire sortir le top model Cindy Crawford de sa retraite pour un défilé extravagant qui avait fait date.

En 2002, il est élu créateur de l'année par le Fashion Group International. Il profite de cet élan de notoriété pour sortir son premier parfum féminin "Roberto Cavalli for woman". En 2006, il a été un de tout premier a proposer à Kate Moss un contrat, après l’épisode junkie de la top.

Cacharel : Suzanne Clements et Inacio Ribeiro

Excentriques et exubérantes, les créations Clements Ribeiro portent un regard irrévérencieux sur l’élégance classique.

La Britannique Suzanne Clements et le brésilien Inacio Ribeiro se rencontrent pendant leurs études de mode à Central Saint Martins, dont ils sortent diplômés en 1991 avec les félicitations du jury avant de se marier un an plus tard.

Après avoir travaillé au Brésil comme consultant en stylisme, le duo Clements Ribeiro revient à Londres et monte sa griffe en 1993. Leur travail est rapidement remarqué pour sa maille méticuleuse en cachemire, ses rayures joyeuses et ses combinaisons de couleurs insolites.

Leur pull à l’effigie de l’union Jack, porté par Naomi Campbell lors du défilé automne-hiver 1997, symbolise aujourd’hui la « cool Britania ». En mars 1995, Clements Ribeiro présente son premier défilé à Londres.

Aujourd’hui, le duo dessine également de la lingerie, des sacs, des chaussures en collaboration avec Manolo Blahnik et des pulls en cachemire pour enfant (la ligne Baby Clements, inspirée par la naissance de leur fils Hector).

La collection principale de Clements Ribeiro revisite les formes classiques avec sophistication et un humour tranquille à travers une série de détails inattendus : dentelles et laine à paillettes, tissus d’ameublement à motifs floraux, carreaux et tweeds se mélangent et se transforment en déguisements pour adultes.

En mai 2000, les membres de Clements Ribeiro sont nommés directeurs artistiques de la collection féminine de Cacharel. En 2001 la marque parisienne leur confie également sa ligne pour enfant. Depuis septembre 2001, Clements Ribeiro présente ses propres collections à Paris.

Et pour l’hiver 2007, la femme Cacharel portera la taille haute. Le duo de stylistes mixe avec brio les teintes métalliques : bronze, violet, bleu ou gris et les matières brillantes…

Robe à pois en cellophane, blouse en nylon, tout est dans l’allure, et les grosses chaussettes glissées dans de fins escarpins confèrent à chaque silhouette la touche d’humour discret nécessaire çà l’élégance…

Alberta Ferretti

"J'essaie de mettre en valeur la personnalité et l'élégance des femmes"

Alberta Ferretti est l'une des doyennes de la mode italienne. Impossible de ne pas reconnaître au premier coup d'oeil sa célèbre robe en mousseline de soie perlée, ornée de rubans et de broderies. De plus, Philosophy, collection destinée aux clientes plus jeunes, est l'une des lignes de diffusion qui se vend le mieux actuellement. Alberta Ferretti est donc aussi une femme d'affaires influente : Aeffe, la société qu'elle a fondée en 1980, est aujourd'hui un important groupe de luxe.

Fille de couturière, Alberta Ferretti est née en 1950 à Cattolica au nord de la côte Adriatique. Naturellement inspirée par l'atelier de sa mère, elle se dit aussi influencée par le glamour des films de Fellini tournés dans sa région dans les années 1950. A l'âge de 18 ans, Alberta Ferretti ouvre une boutique dans sa ville natale. En 1974, elle délaisse la vente au profit de la création et lance sa propre griffe.

Six ans plus tard, elle fonde Aeffe avec son frère Massimo. Pendant les années 1980, Alberta Ferretti impose sa marque de vêtements ravissants et poétiques. Elle fait ses débuts aux défilés de Milan en 1981 avant de lancer la ligne Philosophy di Alberta Ferretti en 1984. En 1994, Aeffe s'installe dans le petit village médiéval de Montegridolfo; à cette époque, le groupe produit également des collections pour Moschino, Gaultier et Narciso Rodriguez.

Aujourd'hui, Aeffe est devenu un acteur incontournable et redoutable sur le marché du luxe, mais l'esthétique Ferretti reste la même, la créatrice tenant toujours à ce que des femmes dessinent pour des femmes. A ses collections de robes vaporeuses, de manteaux de princesse et d'élégantes pièces en maille très jeune fille viennent s'ajouter de nouvelles lignes de lingerie et d'accessoires. En fait, Alberta Ferretti connaît parfaitement ses clientes : féminines et romantiques, ce sont des femmes qui aiment les décorations délicates anciennes et les lignes simples.

Isabel Marant

Voilà bientôt 13 ans qu’Isabel Marant a su séduire les femmes (les Parisiennes, les Tokyoïtes, les stars et bien d’autres) en leur proposant une mode différente : décalée mais douce, élégante mais sans chichis… Elle est le trait d’union entre le banal prêt à porter et les pièces haute couture inabordables.

C’est à quinze ans qu’Isabel Marant reçoit sa première machine à coudre. Il n’en faut pas plus pour que le sens artistique de la jeune fille s’exprime par ce biais. Le but premier d’Isabel est de ne surtout pas ressembler aux filles un peu trop coquettes qu’elle croise à Neuilly. La jeune fille ne rêve que de vêtements masculins et abhorre les froufrous…

Elle transforme tout ce qui lui tombe sous la main, retravaille des vestes army, chine des vieux tissus, s’amuse et crée librement. Elle portait ce qui lui plaisait, à mille lieues de savoir que ce qu’elle faisait s’apparentait déjà à de la mode ! C’est grâce à un ami, qui lui propose de vendre ses créations aux Halles, que la jeune femme se rend compte que la couture peut être un métier : en un mois elle récolte plus de 6 000 francs (environ 1000 euros).

Tout cela la fait réfléchir et lui suggère qu’une école de mode après le bac serait une bonne idée. En 1987, elle intègre le studio Berçot. Isabel Marant sait qu’elle a trouvé sa voie. Cette éternelle insatisfaite ne cesse de couper, dessiner et coudre, elle recherche la perfection et son style un peu farfelu plait ! Elle fait ses armes chez Michel Klein. Puis lance une ligne d’accessoires et de bijoux.

Mais c’est en 1994, qu’elle décide de faire du vêtements et sous son propre nom. « Isabel Marant » est née. Le point de départ de cette marque ? L’envie d’Isabel Marant de pouvoir porter des tenues qui lui plaisent et qu’elle ne trouve pas dans le commerce. Elle veut faire des habits que les femmes comme elle (entendez femme active) aient envie de porter, des vêtements pour lesquels on soit prêt à dépenser un peu d’argent sans pour autant s’affamer pour les 4 ans à venir.

Et que recherche une femme entre 25 et 35 ans en 1994 ? Des vêtements cosy à la fois pointus et confortables. À l’époque, la mode est ou très travaillée, chic, inaccessible, ou ultra basique, type Agnès b… Isabel Marant voulait être un compromis entre ces deux mouvances. Et c’est le succès : à peine deux ans après la création de sa marque, Isabel Marant reçoit l’Award de la meilleure créatrice de l’année, elle installe son quartier général dans un ancien atelier d’artiste et les boutiques éclosent, rue Charonne pour commencer puis une autre au cœur de St-Germain.

Loin de se perdre dans les subtilités de la création, la jeune femme garde bien les pieds sur terre. L’une des clefs de sa réussite est sûrement son grand pragmatisme. Elle parvient à coller ses idées aux demandes du marché et s’assure ainsi un bon retour commercial. Elle cultive une approche du vêtement très particulière, elle part de l’idée que toute femme possède un pull, une robe, qui bien qu’un peu passée et défraîchie, leur tient à cœur et qu’elles aiment porter en dépit des modes et des tendances qui passent.

C’est ça qu’elle désire : retrouver cette familiarité instinctive avec la matière. C’est pourquoi aucune des pièces qui sortent de ses boutiques ne paraît trop neuve, pas d’amidon ou de repassages excessifs, on aime le froissé, le délavé, le vêtement complice. Elle aime la patine que le temps donne aux vêtements, elle fait subir à ses créations de multiples lavages, détends les coutures et s’inspire des danseurs contemporains qui transforment leur costume pour aller vers l’essentiel.

Si on lui demande quelle est sa couleur préférée, elle dira que c’est plus la non couleur qui l’attire, les gris sourds, les violines passées et parfois les associations inattendues entre des teintes curieuses… Pour ce qui est de la silhouette, elle la préfère faussement masculine, matinée d’une fragile féminité faite de flou et de transparence.

Elle dit affectionner tout particulièrement les épingles à nourrice qui permettent de tout transformer en un clin d’œil. Depuis 2004, elle dessine également une ligne enfant qui reprend les thèmes qui lui sont chers : patine, délavage, passé et fraîcheur. Sa plus belle récompense ? C’est dans la rue, lorsque son regard se trouve attiré par une femme et qu’elle se rend compte que cette dernière porte ses vêtements…

 

Barbara Bui

"Un créateur de mode doit être ouvert d'esprit"

Née en 1957 à Paris, Barbara Bui débarque dans le monde de la mode en 1983 lorsqu'elle ouvre la boutique Kabuki avec son partenaire en affaires William Halimi. Elle choisit ce nom en souvenir de sa carrière de comédienne et en hommage au théâtre asiatique.

Dans cette boutique, Barbara Bui commence à vendre ses propres créations; quatre ans plus tard, elle présente sa première collection complète à la presse internationale et aux acheteurs. En 1988, la première boutique Barbara Bui ouvre ses portes rue Etienne Marcel à Paris.

Dès le départ, ses vêtements s'adressent à une femme sûre d'elle et élégante, coordonnant des pièces plutôt sévères comme les vestes en cuir à des jupes asymétriques et volumineuses. Elle tend à privilégier le noir ou les couleurs sourdes, ainsi que les tissus classiques comme la laine et le cuir pour conférer à ses créations une richesse et une qualité intemporelles.

En 1998, elle lance une autre ligne, Barbara Bui Initiais, composée de séparés classiques pour le jour qui complètent à merveille l'esprit de sa ligne principale. En 1999, Barbara Bui quitte Paris pour New York afin de présenter sa collection, mais depuis elle fuit les défilés, préférant présenter son travail de façon moins formelle.

Jusqu'à présent, elle a privilégié l'image et collaboré à cette fin avec divers artistes : elle travaille actuellement avec le photographe David Bailey car elle estime qu'il capte parfaitement toute la force et l'esprit de la femme Barbara Bui.

En 2000, ce sont les collections d'accessoires qui arrivent avec les chaussures et les sacs, toujours dans ce style si particulier qui porte son empreinte. Depuis la saison Hiver 2000, elle a décidé de dévoiler ses collections à travers un travail d'image et photographie et non par un défilé.

Elle collabore alors chaque saison avec un photographe et met ainsi en scène sa collection. Les collections Hiver 01-02 et Eté 02 sont photographiées par David Bailey. Aujourd'hui, Barbara Bui présente quatre collections par saison : Grande Ligne, Initials, Sacs, chaussures.

Elle est revenue sur l’idée de ne plus faire de défilés… Ses shows sont d’ailleurs très appréciés. Aujourd'hui, elle possède des boutiques à New York, Milan et Paris, ainsi qu'une gamme de chaussures et de sacs qui se vend très bien.

 

Comme des Garcons : Rei Kawakubo

"Il est clair pour moi que créer des choses originales devient de plus en plus difficile. Mais je me dois de continuer, je ne crois pas avoir créé tout ce que je peux faire."

Rei Kawakubo est une visionnaire. Cerveau de la griffe Comme des Garçons, elle compte parmi les créateurs de mode les plus importants actuellement en exercice. Depuis qu'elle a débarqué de son Japon natal, il y a 20 ans, Rei Kawakubo remet systématiquement en question les idéaux occidentaux sur la forme du corps et la construction du vêtement, sur le sexisme de la société et l'utilisation de la couleur.

Elle a déplacé et exagéré la forme du corps féminin à travers de gros morceaux de tissu rembourrés, créé des vêtements finis à partir de calicot de tailleur ou retourné les vêtements à l'envers pour transformer les entrailles de leur construction en éléments décoratifs. Elle a perfectionné l'androgynie avec ses chaussures plates (elle déteste les talons hauts), ses pantalons baggy masculins et ses vestes aux épaules tombantes.

En d'autres termes, Rei Kawakubo a révolutionné la mode. Née en 1942 à Tokyo, elle commence à étudier la littérature à l'Université Keio dans un Japon sous occupation américaine, avant de travailler comme styliste pour le département Publicité d'un fabricant de produits chimiques.

Rei Kawakubo, qui a appris entre temps à confectionner des vêtements et à les vendre pour arrondir ses fins de mois, lance la griffe Comme des Garçons en 1969. Mais c'est depuis son scandaleux défilé parisien de 1981 qu'elle est devenue si influente, s'attaquant directement au statu quo du glamour entêté de l'époque.

Ses créations sont souvent étiquetées comme « artistiques » en raison de leur rigueur conceptuelle et intellectuelle, mais cela ne l'a pas empêchée de bâtir l'un des plus grands empires indépendants de la mode, avec plus de 80 boutiques sur le seul territoire du Japon. Son champ d'action inclut l'une des collections de parfums les plus particulières qui soient (lancée en 1994).

Ses boutiques révolutionnaires remettent en question l'architecture d'intérieur et l'expérience d'achat, comme c'est le cas du projet (2002) réalisé avec Caria Sozzani, la boutique-concept 10 Corso Como de Tokyo où sont présentés les résultats de collaborations entre designers.

Son protégé, Junya Watanabe, dessine sa propre collection pour l'écurie Comme des Garçons. En octobre 2004, les créateurs de Comme des garçons (Adrian Joffe et Rei Kawakubo) ont ouvert un lieu conçu pour abriter les treize lignes de la marque, mais aussi une quarantaine d'autres labels, «invités» à partager leur espace.

Environ 50 % du magasin est occupé par de grandes marques établies, et les 50 % restant par de jeunes designers sélectionnés autant pour leur créativité et leur potentiel commercial. Mais Dover Street Market (DVM), c'est aussi un endroit où les clients, comme les artistes qui exposent, ont la possibilité d'expérimenter.

«Mon but est de créer une sorte de marché où divers créateurs d'horizons différents se rassemblent et se rencontrent au sein d'une ambiance de magnifique chaos», explique ainsi, Rei Kawakubo.

Le travail de Rei Kawakubo a fait l'objet de nombreux ouvrages et de plusieurs expositions, notamment «2 Women : Gabrielle Chanel and Rei Kawakubo » dans le cadre du projet anversois « Mode 2001 Landed/Geland ». Rei Kawakubo, avec sa griffe Comme des Garçons, revisite les lambeaux et les loques.

Elle use le vêtement, le sculpte. Et bouscule, comme Yamamoto, toute la conception occidentale de la mode. Tous les deux ont une influence presque insidieuse sur la mode. L'air de rien, en laissant perplexe ou enthousiaste, ils ont insufflé une poésie visionnaire à cheval entre les époques et les continents.

 

Blumarine

"La mode est un art qui doit rester un rêve en matérialisant la liberté dans de beaux habits"

Toute coquette qui se respecte considère la griffe Blumarine d'Anna Molinari comme indispensable à sa garde-robe : ses cardigans à col en vison si caractéristiques offrent le meilleur exemple de son goût pour une mode très jeune fille et richement ornée. Blumarine est avant tout une marque extrêmement féminine, avec des robes délicates en mousseline de soie et des pièces en maille légère souvent décorées de perles, de broderies, de motifs léopard et d'impressions florales, de roses en particulier.

Née en 1949 à Carpi en Italie, où elle vit et travaille toujours, Anna Molinari découvre la mode à travers ses parents, propriétaires d'une grande usine de vêtements en maille. Une fois ses études terminées, elle rejoint l'entreprise familiale. Dès 1977, elle en a suffisamment appris auprès de ses parents pour fonder une nouvelle entreprise, Blumarine, avec son mari Gianpaolo Tarabini.

En 1981, Blumarine présente son premier défilé à l'occasion de la Milan Fashion Week. En 1988, Anna Molinari et son mari fondent la société Blufin SpA, installée dans leur ville natale. Blumarine possède aujourd'hui plus de 700 stockistes et 20 boutiques indépendantes à travers le monde, qui commercialisent les lignes Blugiri, Blumarine Uomo et Anna Molinari aux côtés des collections Blumarine.

Anna Molinari a transformé son entreprise en une véritable affaire familiale : son mari en est le directeur général tandis que sa fille Rossella et son fils Gianguido jouent un rôle majeur dans la création. Blumarine s'est imposée comme une marque indispensable à toute garde-robe au milieu des années 1990, lorsque les rédactrices de mode ne juraient plus que par les délicates robes-combinaisons: en effet, les petits cardigans d'Anna Molinari accompagnaient à merveille ces robes inspirées de la lingerie.

Blumarine compte toujours de nombreuses fidèles, autant de femmes qui aiment les vêtements au style espiègle et romantique. Si l’âge d’or de la griffe fut les années 90, les défilés d’Anna Molinari ne cessent de susciter approbation et engouement. Ces créations sont sures et s’inscrivent discrètement dans la tendance du moment, tout en élégance.

Pour l’hiver 2007/08, elle joue le raffinement : satin, velours, taffetas, le tout rebrodé de délicates perles sombres et de fines dentelles. Discrétion et séduction sont les mots d’ordre de la créatrice, ses vêtements sont de ceux que l’on porte avec plaisir sans se poser de questions, avec la certitude d’être toujours parfaite…

 

Phillip Lim

Son nom bruisse sur les lèvres de toute la sphère mode. Depuis 3 ans, ce jeune prodige new-yorkais crée l’événement où qu’il passe. À mi-chemin entre Marc Jacobs et Karl Lagerfeld, son style distille désinvolture chic et néo-urbanisme : un concentré de perfection romantique.

Automne-Hiver 2005 : une toute nouvelle griffe, 3.1 Phillip Lim, défile durant la semaine new-yorkaise de la mode. Le jeune créateur, alors inconnu du grand public, évite avec succès les écueils communs aux premières collections qui se veulent souvent trop conceptuelles. Ses créations échappent à la surcharge en faveur d’une ligne ciselée, réfléchie et attentive à trouver le détail juste.

Ses robes flottent autour des corps, à la fois naïves et terriblement contemporaines… Tous s’accordent à dire que cette première collection est inattendue, surprenante, mais follement pertinente, comme si Phillip Lim avait retranscrit à la perfection l’air du temps. Le travail du styliste ne ressemble pas aux esquisses balbutiantes des débuts de certains de ces collègues.

Chez Lim, tout est finement abouti avec une fraîcheur et une maturité rarement perçue auparavant. En moins de deux ans, le succès est planétaire. Il reçoit le CFDA Swarovski, qui récompense son travail pour la section femme de 3.1 Phillip Lim. Son téléphone n’arrête pas de sonner, sa boîte mail est surchargée, tous les acheteurs influents veulent du Phillip Lim dans leurs boutiques.

Il est invité d’office à tout ce qui se fait de mieux dans le milieu hype New-Yorkais, ce qui lui permet de constater que ses toilettes séduisent de plus en plus de beautiful people. De Hilary Swank à Kate Hudson en passant par Posh, toutes arborent fièrement les looks uniques de la nouvelle coqueluche de la mode.

Mai dernier, le styliste collabore avec Uniqlo, le H&M version Japon (qui s’exporte un peu partout dans le mode sauf en France, pourquooooooi ?) et y propose une mini collection : scènes d'émeutes, les étalages sont dévalisés en moins de temps qu’il en faut pour slalomer entre les rayons et parvenir jusqu'à la caisse.

Phillip Lim y gagne une horde de groupies qui guettent désormais avec avidité la moindre création du designer. Vendu dans plus de 250 boutiques à travers le monde, il a fallut attendre le 18 juillet pour que s’ouvre au 115 Mercer Street en plein cœur de Soho, le premier lieu dédié entièrement à 3.1 Phillip Lim : une aile consacrée à l’homme, l’autre à la femme et le centre aux accessoires.

Certaines des pièces présentées dans la boutique sont déjà sur liste d’attente. Les choses vont à une vitesse folle pour Phillip Lim… Alors qu’il déclare être inspiré par l’imperfection, sa carrière ressemble à un parcours sans faute : un séjour rapide au sein de la griffe "Developpement", mais très vite il décide de voler de ses propres ailes. Et en rien de temps son talent trouve un écho en chacun des acteurs de la mode.

Phillip Lim est présent sur tous les tableaux, sa créativité n’a pas de limite : design, grande distribution, collection prêt-à-porter, il s’attelle à toutes ces tâches avec brio. Dernièrement c’est Birkenstock qui lui a demandé de dessiner une collection de chaussures pour la ligne Tatami. Le créateur se dit ravi et honoré d’avoir été choisi pour réinterpréter le style Birkenstock.

Il désire jouer avec les codes de la marque, à la fois délicieusement vieux jeu et foncièrement hippie chic, qui lui rappellent son adolescence. La collection qu’il a créée pour l’été 2008 chaussera les pieds de ses mannequins sur son prochain show. Phillip Lim est en passe de détrôner ceux qui jusqu'alors semblaient détenir le monopole de la grâce esthétique sur la scène new-yorkaise… Marc Jacobs aurait-il du souci à se faire ?

En tout cas, show après show, Lim ne fait que confirmer les premières impressions qu’il avait suscité en 2005 : folie qu’il distille avec intelligence au creux des vêtements, imperfection qui devient élégance, évidence du new tailoring et un certain romantisme urbain… Phillip Lim a tout bon. Serait-il le nouveau Pygmalion de la mode ? Seul l'avenir nous le dira…

 

Véronique Leroy

"Créer des vêtements n'est pas excitant. Ce qui est excitant c'est d'être capable de leur donner une âme"

Les créations de Véronique Leroy sont purement et simplement sexy. Née en 1965 à Liège en Belgique, Véronique Leroy débarque à Paris en 1984. Elle passe trois ans au Studio Berçot puis devient assistante styliste de Didier Renard, d'Azzedine Alaïa puis de Martine Sitbon. Elle lance sa propre griffe en 1991 et, dès le départ, cherche à accentuer les formes féminines.

Ses créations jouent souvent sur les proportions du corps de la femme : Véronique Leroy n'a pas peur de juxtaposer vêtements aux coupes sévères et pièces plus volumineuses, un mélange dans lequel elle excelle avec un certain panache. Ses coupes flattent le corps, mais pas nécessairement en soulignant ses formes comme on pourrait s'y attendre de la part d'une créatrice formée chez Alaïa.

Sa vision du sexy opère à un niveau plus conceptuel et plus abouti intellectuellement, mais toujours avec une touche d'indépendance rebelle. Véronique Leroy est surtout connue pour ses maillots de bain graphiques, qui remportent un énorme succès. Depuis de nombreuses années, elle collabore avec l'équipe de photographes formée par Inez van Lamsweerde et Vinoodh Matadin, dont le style a contribué à former l'image de sa griffe.

Véronique Leroy a reçu de nombreuses distinctions tout au long de sa carrière, notamment la Canette d'Or, le prix Courtelle et trois fois le prix de « Futur Grand Créateur » décerné par les Vénus de la Mode. Bien qu'elle soit techniquement une créatrice belge, Véronique Leroy a toujours travaillé à Paris, préférant évoluer indépendamment de tout mouvement : la preuve que cette forte tête a su garder intact son individualisme si particulier.

Véronique Leroy a ouvert sa première boutique en octobre 2005 à Paris. Elle a notamment été aussi styliste consultante pour la Maison Léonard, notamment pour les saisons été 2000, hiver 2000-2001. Depuis 2004, elle est responsable, des collections féminines au cœur de la prestigieuse maison. Pour sa dernière collection, la reine de la maille, met le jersey de laine à la base de tout.

Il sert un vestiaire dépouillé aux lignes simples faites de pièces douillettes et confortables : tailleurs en laine, manteaux au col châle, sarouels satinés, longues robes comme taillées dans un manteau, total look en maille composé de collants, large culotte et veste courte. Mais les associations sont parfois improbables, désordonnées. C’est ça Véronique Leroy, l’oscillation permanente entre le génie et la surcharge…

 

Liza Korn

Ça faisait longtemps, longtemps qu’on avait envie de vous en parler… De cette créatrice atypique, un peu déjantée et surtout bourrée de talent ! Liza Korn, qui jusque-là s’était cantonnée à l’univers de la femme, se lance dans celui de l’enfant pour notre plus grand plaisir.

C’est par l’art plastique que la jeune femme viendra à la mode. Un DEA en poche et après avoir été responsable du musée de Nogent-sur-Marne, elle décide de s’aventurer dans le monde du textile. Mais à sa manière, c'est-à-dire loin des conventions et du circuit habituel… Elle crée des vêtements ludiques, ornés de petites poupées vaudous, dans un esprit rock and roll acidulé.

Elle agit au gré de ses envies et ne se calque pas au calendrier des défilés pour présenter ses collections. C’est sous forme de happenings ou d’expos qu’elle dévoile son travail. Elle a en effet plus une démarche artistique que commerciale, c’est pourquoi au début ses pièces sont quasi uniques ou très peu déclinées…

Mais avec le temps et le succès montant, les collections se font plus conséquentes. Elle les fait produire en France, sauf la maille qu’elle envoie en Italie. Loin d’une logique compartimentée, Liza Korn crée des vêtements pour toutes les femmes, de la femme enfant à la femme plus urbaine. On passe du tee-shirt sérigraphié « Rouge comme une pivoine » à un trench faussement classique.

L’essentiel pour Liza est de faire quelque chose d’ultra féminin tout en restant rigolote et rock and roll. En 2001, elle ouvre sa boutique près du Canal St Martin, son atelier se trouve derrière. Atelier où elle adore tester et expérimenter de nouvelles matières comme la fibre de bambou, qui selon elle peut aisément remplacer le lin ou mixer avec de la laine, le cashmere.

Derek Lam

Si vous n’en avez pas encore entendu parler, il est temps de se mettre au courant, car Derek est en phase de devenir celui avec qui il faudra compter dans les saisons à venir !

Derek Lam, c’est un styliste d’origine asiatique, qui vit aux USA et qui vient d’être promu directeur artistique de Tod’s, la fameuse griffe italienne. Le pari à relever est de lancer une « marque globale » qui sera destinée à une clientèle d’initié. Pourquoi la firme Italienne parie-t-elle sur ce jeune homme de 40 ans, qui vient à peine de sortir de l’ombre ? Car elle a vu et senti que Derek Lam avait tout pour réussir.

En effet aux USA, tous s’accordent pour dire que son travail relève du génie. Anna Wintour - rédactrice en chef de Vogue US - elle-même, lui a consacré des pages entières dans son magazine et le cite comme étant le renouveau de la couture américaine. Signe qui ne trompe pas, les actrices les plus hype du moment ont adopté ses créations : Mischa Barton, Demi Moore, Jessica Alba, Selma Blair, Hilary Swank, Lindsay Lohan et Nicole Kidman font parties de ses clientes attitrées.

Mais ce qui a poussé Tod’s a s’intéresser à Derek Lam, c’est que le styliste est loin de n’être qu’un épiphénomène outre-atlantique, il a réussi à séduire le marché français et même européen ! Ses collections sont distribuées au Bon Marché et au Printemps.

Dans ces grands magasins, on cite Derek Lam comme la nouvelle valeur sure. On apprécie sa mode créative et libérée des diktats américains, qui poussent d’habitude les designers à faire passer le commercial avent la création. Le plus de Derek Lam c’est de réussir à concevoir des vêtements chics et portables, sans faire quelque chose de ringard.

L’engouement qu’il suscite est essentiellement lié à son style, ce n’est ni un Galliano ni un Lagarfeld mais un homme discret qui travaille assidûment et minutieusement. C’est auprès du grand Michael Kors, qu’il a fait ses armes et a appris à peaufiner son style. Pendant une douzaine d’années, il a travaillé à ses côtés, développant avec lui un sportswear de luxe totalement américain !

Mais Derek Lam c’est aussi l’amour de la couture à la française, dont il sait décliner les codes. Ses vêtements jouissent de l’alliance parfaite entre volume complexe et fluidité maîtrisée. Dans ses collections, il aime puiser dans les racines du peuple américain, style mexicain, textile amish…

Il détourne tout, sa conception du vêtement est avant tout conceptuelle. Mais loin d’être incompris ou border line, Derek Lam a su créer une mode à la fois classique et hautement désirable. Loin de rééditer platement des tissus du passé, il se replace dans le contexte de l’époque et essaie de comprendre pourquoi telle teinte ou tel tissage et les recrée à sa manière.

Son style qui mixe fonctionnalité (chère aux américaines depuis Donna Karan), luxe et fantaisie est certes en grande part responsable de son succès mais il n’est pas tout. Car lorsqu’on regarde l’entourage de Derek Lam, on découvre que son compagnon à la ville, n’est autre qu’un grand ponte du marketing : Mr Jan-Hendrick Schlottmann, qui s’occupa du marketing cosmétique de Prada…

Ainsi c’est lui qui tire les ficelles et qui a élaboré le business plan de Derek Lam. C’est lui qui a décidé de déroger aux règles tacites du commerce américain qui poussent les designers à développer des ligne bis qui ont pour but de créer un buzz commercial. L’objectif de la marque est ailleurs. Les deux hommes ne cachent pas leur ambition sélective et élitiste. Ils désirent vêtir des femmes qui n’ont plus besoin de rien et qui veulent avant tout du luxe fait de rareté et d’exclusivité !

C’est pourquoi ils se sont entourés des meilleurs sous-traitants italiens qui travaillent déjà pour Chanel et Vuitton. Les endroits où ils sont distribués sont soigneusement sélectionnés. Ils sont également présent dans tous les lieux hautement connotés luxe : Dubaï, Milan, Tokyo… Derek Lam sait ce qu’il veut, diplômé de la fameuse Parsons School of Design de New York, il préfère renoncer à un poste chez un créateur qu’il admire depuis toujours faute de possibilités d’évolution.

Et partir travailler auprès de Michael Kors. Un des acheteur du Printemps décrit Derek Lam comme un styliste faisant partie de la génération qui a compris que pour avancer et se faire une place, il fallait jouer sur tous les tableaux : presse, stars, marketing… Chez Tod’s, Lam joue la carte du luxe, tee-shirt en cashmere, doudoune en cuir, le tout additionné d’une bonne dose de BCBG attitude…

Le styliste sait ce qui fera vendre et à quelle clientèle il s’adresse. Mais tout cela il le fait avec talent, sachant insuffler à cette collection l’énergie du sportswear US et la séduction du luxe italien. Son poste de directeur artistique chez Tod’s va sûrement lui permettre de mieux se faire connaître et celles qui seront séduites par son travail se tourneront automatiquement vers sa propre griffe. Coup marketing ou coup de génie ? Les deux semblent maintenant indubitablement liés…

 

Ann Demeulemeester

« La mode, c’est comme le rock : on doit toujours y trouver un fond de rébellion »

Inspirée depuis toujours par son amie Patti Smith, poète païenne et princesse punk s’il en est, Ann Demeulemeester est une créatrice qui n’a pas peur d’exprimer ses sentiments. En fait, c’est la raison même de son travail et la raison pour laquelle elle compte aujourd’hui de nombreux fans très fidèles.

Née en 1959 en Belgique, Ann Demeulemeester étudie la mode à la Royale Académie d’Anvers dont elle sort diplômée en 1981, membre d’une promotion qui sera bientôt connue sous le nom des « Antwerp six ». Elle lance sa propre griffe en 1985 avec son mari Patrick Robyn.

En 1992, elle présente pour la première fois sa collection pour femme à Paris, puis une collection pour homme en 1996. L’austérité subversive et le romantisme inquiet de ses premières créations, combiné à une finition délibérément brute, la hissent rapidement parmi les stars de la nouvelle vague européenne : les déconstructionnistes.

Ann Demeulemeester a cependant toujours évité le grand cirque des médias, privilégiant une mode personnelle et émotionnelle. Elle coupe souvent ses vêtements sur elle, car elle s’intéresse autant à la sensation du vêtement sur le corps qu’à son look. Elle ajoute rarement de la couleur à ses créations.

Le noir et blanc est quasi omniprésent dans ses collections. Elle les traite plus comme des ombres et des volumes et non comme des teintes propres. Le but étant de mettre en avant la personnalité de celle qui portera les vêtements et non de « décorer un mannequin ».

Elle aime travailler les matières naturelles telles que le cuir, la laine, la flanelle et la fourrure, autant d’étoffes qui mettent en avant le sens du toucher. Au fil des années, ses collections ont subi une évolution constante.

Elle explore le conflit masculin/féminin en mélangeant perfection de la coupe et superpositions de tissus plus doux, toujours avec une sensualité facile et un esprit très rock and roll. Ann Demeulemeester a ouvert sa propre boutique à Anvers en 1999.

Elle l’a installé dans un édifice impressionnant datant du 19e siècle, une ancienne école de la marine… Elle avait besoin d’un lieu où elle pourrait créer son propre univers et par la même occasion y faire pénétrer ceux que son travail touche.

Dans sa dernière collection, la créatrice inclut quelques touches ethniques dans ses looks, tout en subtilité. Les capuches rappellent les saris indiens, les pantalons s’inspirent discrètement des jodhpurs. Un succès. Ses collections se vendent dans plus de 30 pays à travers le monde.

Martin Margiela

Martin Margiela est le créateur de mode par excellence et, en l’occurrence, ce banal cliché est tout à fait justifié. Contrairement à tout autre créateur, il produit un travail qui s’apparente à une forme distincte de « métamode » : en effet, ses vêtements parlent avant tout de vêtements. Sa vision particulière et bien définie l’a imposé comme l’un des stylistes les plus influents et les plus iconoclastes qui ont émergé ces 15 dernières années.

Né en 1959 à Limbourg en Belgique, Margiela étudie à la Royale Académie d’Anvers et fait partie de la première vague de nouveaux talents de la ville. Entre 1984 et 1987, il est assistant de Jean Paul Gaultier ; en 1998, il fonde la maison Martin Margiela à Paris et présente sa première collection pour femme Printemps-Eté la même année.

Cherchant désespérément à définir la mode de Margiela, avec sa franchise et sa manie du procédé artisanal, la presse baptise ce nouveau style "déconstruction". Évitant le culte de la personnalité qui atteint de nombreux designers, Martin Margiela cherche au contraire à développer un culte de l’impersonnalité en s’affranchissant des conventions de l’industrie de la mode.

Jamais pris en photo, jamais interviewé en personne (il répond aux questions posées par fax), même la griffe de ses vêtements reste vierge, « 6 » pour les basiques féminins et « 10 » pour les hommes.

Il est aussi le père du “work in progress”, c'est-à-dire le principe où l’on transforme et ne jette pas.

Des chaussettes récupérées dans les stocks de l’armée sont décousues et assemblées en pull-over; le pantalon à pinces masculin devient une jupe; une housse d'emballage en plastique se métamorphose en haut porté sur une robe...

Martin Margiela crée vraiment des vêtements qui parlent d’eux-mêmes et Hermès l’a bien compris : à l’époque où il est de bon ton d’engager des personnalités à la direction de la création, la maison Hermès l’engage en 1997 comme styliste principal de sa ligne Femme, un choix qui s’est avéré depuis très inspiré.

En l’an 2000, la première boutique Martin Margiela ouvre ses portes à Tokyo, suivie en 2002 par Bruxelles et Paris. Chacune d’elles présente la gamme complète des produits Margiela, y compris les chaussures, des livres et des objets.

Juillet 2002 : après le départ de Jenny Meirens, Renzo Rosso, le patron de Diesel, devient actionnaire majoritaire de la Maison Martin Margiela. En 2003, le designer met fin à sa collaboration avec la maison Hermes, et laisse la place à son ancien employeur, JP Gaultier.

Depuis il mène sa barque et ne cesse de créer et d’innover, ses défilés et les collections dites « artisanales » n’ont jamais démenti son talent et son anti-conformisme.

Azzedine Alaïa

Défiant les frontières qui séparent la chair du tissu, les créations « seconde peau » qui distinguent le travail de Azzedine Alaïa lui garantissent une place de choix dans l’Olympe de la Mode.

Azzedine Alaïa est né en 1940 à Tunis de parents cultivateur de blé. Sa créativité instinctive se nourrit des exemplaires de Vogue d’une amie française de sa mère, qui mentira sur son âge pour le faire entrer à l’école des Beaux Arts de la région.

Il y étudie la sculpture, discipline dans laquelle il n’excelle pas particulièrement, mais qu’il utilisera à bon escient par la suite. Après avoir repéré une offre d’emploi chez un couturier, la sœur d’Alaïa lui apprend à coudre et il commence à copier les robes haute couture pour ses voisines.

Peu de temps après il s’installe à Paris pour travailler chez Christian Dior, mais se fait mettre à la porte après cinq jours passés à coudre des étiquettes. Azzedine Alaïa travaille ensuite pour Guy Laroche, chez qui il se forme pendant deux saisons tout en gagnant sa vie en tant qu’intendant de la Marquise de Mazan.

En 1960, la famille Blegiers embauche Azzedine Alaïa et pendant cinq ans, il est à la fois l’intendant et le couturier de la comtesse et de ses amis, se mêlant à la haute société parisienne, une clientèle qui le suivra lorsqu’il lancera sa propre griffe.

Dans les années 70, sa première collection de prêt-à-porter pour Charles Jourdan n’est pas bien accueillie, mais les rédacteurs de mode s’intéressent tout de même à l’élégance moderne d’Alaïa, qui finira par définir l’esthétique du « body-consciousness » une décennie plus tard.

Le succès mondial suit grâce à des expositions, des récompenses, le soutien des plus grands top models et le pouvoir de séduire le public même en dehors du calendrier officiel : Azzedine Alaïa présente ses collections quand ça lui chante, sans se soucier de l’agenda mondial des semaines de la mode, et la presse ne rate pas un seul de ses défilés.

Il travaille dans un petit atelier derrière le BHV, et y invente des robes couleur de rêve pour les stars, les princesses et les jeunes mariées. Celles qui lui sont fidèles depuis longtemps, savent que loin d’être un vêtement comme les autres, ses robes possèdent le pouvoir quasi surnaturel de sublimer celle qui les porte.

L'élégance et la classe chez Azzedine Alaia sont toujours deux critères requis, même si l'extravagance intervient de plus en plus. En l’an 2000, Azzedine Alaïa s’associe au groupe Prada.

La même année, le musée Guggenheim de New York lui consacre une exposition qui confirme son statut d’influence artistique majeure, bien au-delà des cercles de la mode. En 2007, c’est lui qui fut choisi pour relooker le Book, l’incontournable carnet d’adresses de la mode.

Alexander McQueen

Karl Lagerfeld a un jour laissé entendre que Lee Alexander Mcqueen serait plus proche du parfum de scandale qui entoure Damien Hirst que de l’esprit de Hubert de Givenchy, maison de haute couture dont McQueen avait repris la direction en 1996. Un commentaire qui résume parfaitement l’essence du style McQueen.

Ce styliste au talent évident comprend dès le départ que la mode est un grand théâtre dans lequel il vaut mieux provoquer une réaction plutôt que des applaudissements polis.

Pourtant, avec aujourd’hui près de 15 ans de métier derrière lui et le soutien du Groupe Gucci, un partenaire qui a su saisir le potentiel de son radicalisme, Alexander McQueen tient finalement ses promesses et développe une marque de luxe mondiale à son propre nom.

Né en 1969, d’un père chauffeur de taxi dans l’East End, Alexander McQueen commence son apprentissage à 16 ans chez Anderson et Sheppard de Savile Row.

Il travaille ensuite comme traceur de patrons chez Roméo Gigli après une expérience chez le costumier de théâtre Angel & Bermans et le styliste Koji Tatsuno basé alors à Milan.

De retour à Londres, Alexander McQueen sort diplômé de Central Saint Martin School en 1992. Immédiatement qualifié d’enfant terrible par la presse, il se fait remarquer par ses coupes brutales et sévères et ses défilés extravagants.

Quatre ans plus tard, à l’âge de 26 ans, il remporte le prix de British Designer of the Year, le premier d’une série de trois, mais surtout il est nommé directeur de la création chez Givenchy, où il succède à John Galliano. En décembre 2000, le groupe Gucci acquiert une part majoritaire dans la griffe McQueen, qui quitte Givenchy trois mois plus tard.

La collection Automne-Hiver 2002, présentée à la semaine de la mode à Paris avec quelques diversions cinématographiques, semble à l’époque être la plus abouti de ses collections : tweed de tailleur avec lanières de cuir, écolières malicieuses et lycéennes ultra-sexy, une touche de dentelle, corsages et corsets.

Un fétichisme à la fois romantique et pervers donne le ton de cette collection qui, pour McQueen, est une déclaration d’intention sans retour : il est enfin prêt à vendre. En juillet 2002, il lance une collection Homme « à façon ».

La même année, il ouvre une boutique éponyme à New York. L’année d’après, c’est à Londres, Milan et Los Angeles que ses boutiques voient le jour. En 2006, il lance une nouvelle ligne plus jeune baptisée McQ-Alexander McQueen.

« Je voulais décliner ma griffe en l’adaptant à une clientèle plus jeune et combler le fossé entre deux générations, McQ est moins sophistiquée, plus jeune, plus pointue ».

« Mais on peut aussi y piocher des pièces assez classiques qui peuvent être portées par des jeunes femmes actives, qui ne sont pas forcément rebelles ! »

Il aime par ailleurs présenter ses shows dans des lieux insolites comme le cirque d’hiver et cette fois-ci le Zenith plongé dans l'obscurité pour mieux attirer le regard vers une pyramide inversée sur laquelle sont apparus des visages de femmes, un oeil de hibou, des flammes...

Ambiance sorcellerie, la théâtralisation n’est jamais loin…

Madeleine Vionnet et Sophia Kokosalaki

Dans ses collections, la créatrice Sophia Kokosalaki fait sans cesse référence à ses origines. Née à Athènes en 1972, elle grandit dans un univers riche d’histoire et de mythologie, qu’elle continue d’alimenter avec voracité.

Après avoir étudié la littérature à l’université d’Athènes, Sophia Kokosalaki suit des cours à la Central Saint Martins, dont elle sort en 1998.

Depuis, elle puise son inspiration dans toutes sortes de choses, de la culture de la Crète antique aux robes vaporeuses en soie que portait Barbara Streisand pendant ses vacances à Mykonos dans les années 70.

Maîtrisant parfaitement les tissus, Sophia Kokosalaki démontre un talent artisanal authentique qui apparaît de façon évidente dans son travail, une passion qui lui vient de sa grand-mère, surdouée du macramé.

Aujourd’hui Sophia Kokosalaki utilise un large éventail de techniques anciennes telle que les appliqués, les nervures, les ganses, les tresses, les ruchés et les patchwork pour embellir toute sortes de tissus, notamment son cuir et son jersey de soie si caractéristiques.

C’est en 2006 qu’elle présente pour la première fois son travail durant la semaine des défilés parisiens. Pour cette collection elle avait exploité toutes les possibilités du drapé pour un vestiaire court et fluide, hormis des bustiers nervurés d'aspect rigide.

Ils s'associaient à un short ou une jupe courte et gonflée comme un bloomer. En dépit de ses nombreuses recherches et de son grand savoir-faire, elle réussit tout de même à conférer une extrême simplicité à ses créations en travaillant par intuition.

Ses robes sont si belles, si légères qu’elles en paraîtraient presque perverses : mais Sophia Kokosalaki cherche simplement à créer des vêtements expressifs. En 2004, c’est elle qui s’occupe de la création des costumes pour l’ouverture des JO et notamment de la robe portée par la chanteuse Björk.

Jouant sur les contrastes entre ombre et lumière, féminin masculin, elle a travaillé comme styliste pour Ruffo Research et en tant que consultante pour Fendi.

En 2002, elle a dessiné une ligne pour Topshop. Pour le défilé Eté 2007 à Paris, toute la presse anglo-saxone était présente, en dépit de la pièce exigu où s’est déroulé le show, chacun voulait y assister.

On peut ainsi mesurer la côte exponentielle d'amour de la créatrice grecque basée à Londres. A l’avant-garde de la mode britannique, elle a été la première créatrice a bénéficier d’une bourse de 10 000 livres de la Britain’s Arts Foundation.

La grande actualité de la créatrice est la reprise de la direction artistique de la maison de couture de Madeleine Vionnet, qui n’avait plus de section style depuis 1939, date ou Madame Vionnet avait présenté sa dernière collection.

Qui de mieux placée que Sophia Kokosalaki, spécialisée dans les drapés et autres plissages, pour reprendre le flambeau de cette griffe qui s’était illustrée pour les même techniques savamment maîtrisées ?

Manolo Blahnik

« Mes chaussures ont quelque chose que les autres n’ont pas : de la personnalité »

Cette affirmation explique peut-être pourquoi son travail exerce un tel pouvoir d’attraction et comment, après plus de 25 ans de carrière, il est devenu le créateur de chaussures le plus célèbre au monde. Né en 1943 aux îles Canaries, Balhnik passe son enfance à confectionner des chaussures en papier alu pour les chats de la maison. Après des études artistiques et de langues à Genève, il s’installe à Paris en 1968, dans l’intention de devenir chef décorateur.

Lors d’un voyage à New York en 1970, Paloma Picasso lui présente Diana Vreeland, alors rédactrice du Vogue américain, qui le persuade que son talent réside en fait dans la création de chaussures. Un an plus tard, installé à Londres, il commence à dessiner des chaussures pour Ossie Clark.

Midas, une chaîne britannique de magasins de vêtements, lui commande également des modèles et Balhnik se lance pour de bon dans les montagnes russes du succès. En 1973, il ouvre une minuscule boutique à Chelsea; aujourd’hui, il compte plusieurs boutiques à New York, Hong-Kong et aux Philippines, ainsi que des points de ventes dans les grands magasins les plus luxueux du monde. Les créations Manolo Balhnik sont sexy, exclusives et d’une facture exquise : il finalise tous ses modèles à la main tout en remplissant les carnets de commandes de quatre usines italiennes.

En effet il dessine lui-même chacun des modèles de sa collection. Il sculpte ensuite la forme dans du bois en portant une attention particulière au talon. Il est le seul à détenir le secret d’un «décolleté» de pied ultra-sexy et à pouvoir faire tenir une femme en équilibre parfait sur un talon de 20 cm de hauteur.

Chouchou des célébrités, les « Manolos » sont aujourd’hui connues de tous grâce à la série américaine « Sex and the City ». De John Galliano à Michael Kors, Manolo Balhnik collabore avec de nombreux couturiers.

Son coup de patte : des mariages de matières et de couleurs inusités sur un talon finement aiguisé. Il accumule les récompenses comme les femmes collectionnent ses chaussures : le monde de la mode lui a décerné plus de 14 distinctions depuis 1987, lorsque le council of Fashion Designers of America lui a pour la première fois remis son special Award…

Domenico Dolce & Stefano Gabbana

« La femme Dolce et Gabbana est une femme forte qui se plait et sait qu’elle plait. Une femme cosmopolite qui a fait le tour du monde mais n’oublie pas ses racines. Mère, épouse, maîtresse mais toujours femme à fond. »

Coeur palpitant du style italien, Dolce & Gabbana sont la réponse de la mode au viagra. Le perfectionnisme de Dolce et le cabotinage de Gabbana ont formé une combinaison gagnante, avec un impact durable sur la culture pop grâce à Madonna (ils ont dessiné 1500 costumes pour sa tournée « Girlie Show » de 1993 et conçu son image pour l’album « Music ») et Kylie Minogue (costume de la tournée « Fever » en 2001).

Domenico Dolce est né en 1958 dans une famille sicilienne; son père, tailleur à Palerme, lui apprend à faire une veste alors qu’il n’a que sept ans. Stefano Gabbana est né en 1962, fils d’ouvrier d’imprimerie milanais.

Patrie de Dolce et destination de vacance favorite de Gabbana lorsqu’il était enfant, c’est la Sicile qui scelle leur relation dès leur première rencontre, une référence qui transparaît continuellement dans leur esthétique : la fille de famille traditionnelle sicilienne (bas noirs opaques, dentelle noire, jupe de paysanne, frange « châle »), la séductrice latine (corset, talons hauts, sous-vêtements portés en vêtement dessus) et le gangster sicillien (costume mille-raies, coupes élégantes, chapeaux mous).

Ce sont ces oppositions de masculin et de féminin, de douceur et de dureté, d’innocence et de corruption qui rendent les créations de Dolce & Gabbana si fascinantes du point de vue sexuel. Crée en 1985, la griffe fourmille de clins d’œil aux légendes du cinéma italien telles que Fellini, Visconti, Sophia Loren et Anna Magnani, mettant en scène une histoire d’amour racontée à travers le langage des vêtements.

Bien que l’empire Dolce & Gabbana comprenne une ligne pour enfants, des maillots de bain, des lunettes, des parfums et des accessoires, 80% du chiffre d’affaires provient de la vente de vêtements (le reste allant aux parfums et aux accessoires). Quand on évoque leurs modèles, influences ? Ils répondent : Armani pour la discipline, Alaïa pour la folie, Chanel pour la couture et Jean-Paul Gaultier pour la créativité.

Ils ont reçu plusieurs fois le titre de « Designer of the year » attribué par les lecteurs du magazine anglais FHM.

Aujourd’hui, ils ont 83 points de vente. Séparés en 2004, les deux stylistes continuent de travailler ensemble. Le duo conserve le contrôle de la plupart de ses points de ventes mondiaux et de ses fabricants. Ils sont tout simplement de vrais machos italiens.

Cette saison, D & G mixe l’ultra féminin et le punk rock, le mélange se fait habilement et évite le total look ou la caricature… Les dentelles et les coupes d’inspirations Rome antique font penser aux années 60 et font référence à la sensualité Italienne, mais les couleurs vives bleu électrique ainsi que l’accessoirisation des tenues (clous,chaînes..) appelle inévitablement l’univers punk.

Le duo va donc à contre sens de la tendance qui est à l’épure, ils revendiquent une énergie en phase de la faune jet-setteuse et noctambule adepte de la marque.

« Je veux réintroduire à ma manière la fragilité et l’émotion dans la mode. »

Petit dernier de deux sœurs et deux frères, Alber Elbaz est né à Casablanca au Maroc. Il grandit dans la banlieue de Tel Aviv auprès de sa mère, une artiste espagnole, car son père un coiffeur Israélien meurt quand Albert est encore petit.

Elbaz étudie la mode au Shnekar College of Textile Technology and Fashion de Tel Aviv. Une fois diplômé, il part pour New York, où il sera pendant sept ans le bras droit de Geoffrey Beene, le styliste de la haute société américaine. En Septembre 1996, Elbaz est nommé directeur de la création chez Guy Laroche, pour qui il produit des collections réussies qui revisitent les plus grands succès passés de la maison à travers une approche inédite et pleine de vie.

En 1998, Elbaz devient directeur artistique de la ligne féminine Yves St Laurent Rive Gauche, succédant avec facilité à Mr St Laurent en personne. Bien qu’il parvienne à attirer une clientèle plus jeune - Chloé Sevigny a porté l’une des ses robes aux oscars - Alber Elbaz quitte la maison début 2000 après le rachat de l’entreprise par le groupe Gucci. Ensuite, il travaille quelques mois pour la maison milanaise Krizia où ses collections sont saluées par une critique unanime. En 2001, Elbaz est nommé directeur artistique des collections femmes chez Lanvin.

Ses créations se distinguent par l’élégance brute et sensuelle qui aujourd’hui est devenu sa signature. Pour sa première collection Lanvin Automne Hiver 2002, il s’inspire en partie du style de la fondatrice Jeanne Lanvin, avec des explosions spontanées de grosses paillettes, de cascades de rubans et de robes-chemisers en clin d’œil à la garçonne des années 20.

Réconciliant modernité et féminité, les coupes classiques sont actualisées à travers des ourlets sans finitions et de simples lanières de cuir lacées autour de la taille. Alber semble avoir trouver un lieu, en la maison Lanvin, où il peut laisser éclater son remarquable talent.

Le magazine Vogue avait soumis le couturier à un petit questionnaire afin de mieux connaître cet homme discret… le voici :

• Votre accessoire fétiche : Les chaussures.
• Votre attitude préférée : Allure, Allure, Allure.
• Votre longueur idéale : La longueur s'établit par rapport aux jambes des femmes, elle ne doit pas être dicté, elle est individuelle. Chacun doit choisir de cacher ou d’exposer.
• Votre botte secrète : C'est un secret.
• Votre animal préféré : Le crocodile, un animal rare et cher.
• Votre recette du bonheur : « To follow my heart. »

Le couturier dit ne pas avoir d’image précise de la femme pour qui il dessine. Au contraire ! Ce qui compte pour lui, c'est de voir ses vêtements portés par des femmes très différentes. Il est persuadé que c'est la femme qui crée son style, et non le vêtement.

Et à l’idée de créer sa propre maison, le couturier ne semble pas pressé… Il ne ressent pas le besoin de poser à tout prix son nom sur un vêtement. Ce qui lui importe, en revanche, c'est de travailler en toute liberté, sans pression et avec des gens qu'il aime. C'est ça qui lui plaît chez Lanvin : une entreprise ni trop grande ni trop petite. Humaine et à taille humaine.

Mais où qu’il soit il continuera a créer (car c’est son essence) des petites merveilles qui nous sublime et c'est ça qui compte !

 

 

Marithé et Francois Girbaud

Partenaires dans la création depuis plus de trente ans, Marithé et Francois Girbaud ont uni leurs efforts pour faire évoluer le blue jean classique en expérimentant les délavages et les techniques d’assouplissement qui ont révolutionné cette industrie.

Injectant régulièrement une bonne dose d’innovation dans la production du denim, la marque Girbaud est à l’origine de quelques styles de jeans parmi les plus vendus de l’histoire contemporaine.

Marithé Bachellerie est née en 1942 à Lyon et François Girbaud en 1945 à Mazamet. Ils se rencontrent en 1960 et commencent à importer des uniformes de cow-Boys américains à Paris. En assouplissant les denims bruts à l’aide de cartons d’émeri, ils inventent le « stone wash », procédé industriel incontournable aujourd’hui.

Jusqu’en 1968, ils travaillent ensemble à leur première collection, CA, puis en 1972, ils ouvrent un premier point de vente dénommé Boutique dans le quartier des Halles à Paris, alors surtout réputé pour son marché et ses femmes de petite vertue.

Travaillant sous différentes licences et divers noms, notamment « Compagnies des montagnes et des Forêts » et « Closed », le duo continue d’explorer les nouvelles techniques.

Il faut attendre 1986 pour que Marithé et François Girbaud commencent à dessiner sous leur propre nom et à présenter leur collection à la semaine de la mode à Paris. En 1982, l’actrice Jennifer Beals, en portant un de leurs modèles dans le film Flashdance fait connaître la marque aux Etats-Unis. Cette année-là, sept millions d’articles estampillés de la marque au carré vert s’arrachent. Kirk Douglas et Yul Brunner auraient fait appel à leurs services…

Les Girbaud ont aussi fait parler d’eux pour certaines de leurs campagnes publicitaires. En 1988, ils font appel à Jean-Luc Godard. Pendant les années 90 la marque est plus aventureuse et créative que jamais, évoluant tranquillement tant dis que les Girbauds se mettent à travailler avec de gros fabricants de denim et ouvrent des boutiques et des franchises dans le monde entier.

Le jean est déchiré et vieilli, coupé au laser, structuré sans couture par thermocollage, tatoué, griffé ou en lycra strech : Marithé et Francois Girbaud ne cessent d’innover en dessinant pour le corps sans se soucier des tendances de la mode.

La marque Marithé François Girbaud inclut aujourd’hui des lignes de vêtements en jean et en cuir, des chaussures et des accessoires, du sportswear, des tenues de ski et une ligne de lunettes. Par ailleurs, les Girbaud ont lancé aux Etats-Unis un projet éducatif qui vise à promouvoir la paix et l’unité raciale.

« Marithé et moi ne sommes pas à la mode. Nous avons jeté les diktats aux orties et choisi de cheminer hors des sentiers battus. Nous avons regardé la rue, écouté les gens et pris leurs envies en compte. En inventant le streetwear, le baggy, on leur a apporté la liberté (ne serait-ce que de pouvoir mettre leurs mains dans les poches). L'histoire du jean suit celle de la société. Nous sommes les designers du jean "live". Les rêves auxquels on croit dur comme fer se réalisent. »

Toujours à contre sens et sans aucun tabous leur dernière campagne de publicité parodiait de manière très esthétique la célèbre Cène : la marque a remplacé les apôtres de Jésus par des femmes !!!

Ce qui déclencha les foudres de l’Église catholique, qui a obtenu l’interdiction de cette campagne après un recours auprès des tribunaux... Aux vues des retombées médiatiques, on peut à nouveau confirmer que la menace d’une interdiction est souvent la meilleure des publicités... et la garantie d’un bouche-à-oreille maximum !

 

Angela Missoni

« L’harmonie des couleurs est ma marque de fabrique »

Angela Missoni a réussi à faire entrer le nom de sa famille dans le 21è siècle avec assurance et individualité tout en préservant le cachet de l'une des plus grandes marques de mode italiennes.

Dans ce cas précis, la tradition typiquement italienne de l'entreprise familiale a porté ses fruits : Angela Missoni a gagné de nouveaux clients pour la griffe grâce a son interprétation sexy et sport de la maille et des imprimés multicolores caractéristiques de la maison.

Ses parents, Ottavio et Rosita, ont fondés l’entreprise Missoni en 1953 en commençant par produire des vêtements en maille.

Plus de quarante ans d’innovation techniques et d'expérimentations sur des motifs abstraits et des associations de couleurs étonnante ont valu à la maison Missoni sa renommée internationale.

Angela et ses deux frères, Luca et Vittorio, travaillent tous pour l’entreprise familiale, mais c’est Angela, née en 1958 à Milan, qui présente un don naturel pour la création de mode.

Pendant 20 ans elle travaille pour l’entreprise familiale et touche à tous les aspect du business, dessinant avec sa mère tout en élevant ses 3 enfants.

En 1993, elle lance sa propre griffe, Angela Misonni, produite par l’entreprise familiale; lorsque ses parents en 1997 arrêtent de dessiner elle est prête a reprendre le flambeau.

Elle a relevé le défi que de nombreuses marques de mode bien établies espèrent surmontées quand elles embauchent un nouveau créateur.

Elle a remis au goût du jour les modèles signature de la maison en les adaptant à une cible plus jeune qui n'a pas connu l'age d'or de Missioni dans les années 1970.

Elle a revisité les zigzags, le motifs grecs, les patchwork immédiatement identifiable a la marque en les taillant sous forme de pantalons étroits aux hanches, ou de blouse vaporeuses en soie.

Le style Angela Missioni se caractérise par son coté « put together », expression lancée en 1975 par la presse americaine pour décrire son goût pour les assemblages de motifs superposés et non assortis.

Toutefois le look Angela Missioni n’est pas moins celui d’une nouvelle génération…

 

Marc Jacobs

Marc Jacobs : illustration parfaite de la classe attitude américaine, avec ce petit coté girly mixé à la grâce de Jacky Kennedy qui rend sa griffe unique ! Et qui fait que toute ses pièces sont des must-have…

Marc Jacobs dessine des vêtements absolument « indispensables ». Pourtant, ses pièces les plus cultes sont souvent inspirées par la mode américaine la plus classique. Il emprunte des élément familiers aux uniformes universitaires, au sportswear ou au jean pour créer une mode luxueuse aux coupes magistralement exécutées.

Marc Jacobs doit sa célébrité internationale et sa clientèle fidèle a son approche directe et son grand souci de la qualité. Né en 1963 à New York, Marc Jacobs entre à la Parsons School of Design de la ville en 1981.

Etudiant surdoué, il remporte de nombreux prix et vends ses premières pieces tricotées main à la boutique Charivari de New York. En 1984, Jacobs signe un partenariat commercial avec Robert Duffy, avec qu’il travaille encore aujourd’hui.

En 1986, il dessine sa première collection sous la griffe Marc Jacobs. L’année suivante, il devient le plus jeune lauréat du New Fashion Talent Award decerné par le CFDA qui depuis l’a également couronné Women’s Designer of the Year à deux reprises.

En 1989, Jacobs et Duffy rejoignent Perry Ellis pour travailler à la création des collections femmes de la griffe sportswear. En 1993, il crée Marc Jacobs International et l’année suivante, la marque conclut de nombreux accords de licence.

En 1997, Jacobs est nommé directeur artistique de Louis Vuitton, chez qui il supervise la création des lignes pour femme, pour homme et de tout les accessoires.

Grâce a des collections qui proposent une nouvelle définition du luxe, de la subtilité et de la séduction, Jacobs révolutionne l’image de la maison et hisse Louis Vuitton aux cotes des grands de la mode alors que la marque était depuis toujours considérée comme un simple fabricant de bagages.

La participation de la société mère LVMH dans la propre griffe de Jacobs a permis à l’entreprise de connaître une expansion considérable, notamment avec l’ouverture de plusieurs boutiques et le lancement d’une collection d’accessoires au succès phénoménal.

Une ligne secondaire, Marc by Marc Jacobs, est commercialisée au printemps 2001, suivie de parfums pour homme et pour femme.

Souvent l’arrivée de l’automne annonce grisaille et couleurs en berne : notre vestiaire suit une petite cure de desintox’ bien nécessaire après les transgressions stylistiques et extravagances ibiziennes de l’été. Bref, on tente de se refaire une virginité à coup de gris bitume et d’anthracite sérieux. Sauf que cet hiver il faudra trouver autre chose, car les couleurs font de la résistance : le dress code de la saison semble s’être dopé au technicolor…

Si débauche de couleurs il y a, ce n’est pas pour autant que règne l’anarchie. Au contraire, tout semble être maîtrisé au pigment près. Le total look coloré pointe le bout de son nez sur les podiums des griffes luxe. Rien de plus chic donc que d’arborer une allure vitaminée, limite surdosée.

La couleur en all over est autorisée, à condition qu’elle sublime une coupe travaillée, des matières rich et des accessoires up to date. Exit le look sportswear monochrome, on ose le rose shocking chez Dior, l'élégance racée outremer pour Hermès et le turquoise minimaliste chez Lowe. La couleur cet hiver change de rive et devient synonyme de classe et de sophistication ultime.

Si la couleur est portée en touches, elle devra impérativement s’opposer au noir. Robe sweat-shirt pêche pepsy chez Versace, vert laitue Onassis pour Marni et micro poussin chez DKNY, les teintes flashy gagnent leurs galons de noblesse fashion en faisant du noir leur élément complémentaire. Véronique et Davina sortent peu à peu de l’inconscient collectif et laissent l’apanage du fluo aux nouvelles élégantes vitaminées.

Le point d’orgue de cette tendance réside dans le décalage : décalage des genres, des règles et des codes. La couleur, auparavant criarde, se trouve assortie au must des attributs du luxe classique : longs gants de cuir, maroquinerie siglée, allure sobre et sans fioritures. Pour notre plus grand plaisir, les stocks de l’avenue Montaigne semblent avoir été tagués par une armée de surligneurs en folies.

Cette profusion de couleurs risque de rendre l’hiver un peu moins maussade qu’à l’accoutumée… On a vraiment l’impression que les collections de cette saison tentent de définir un nouvel esthétique et font voler en éclats idées reçues et immobilisme créatif. La mode mue et c'est très bien!!!!!!!